Kara Walker

Walker vivió con su padre, Larry Walker (n. 1935),[3] que trabajó como pintor[4] y profesor.[1] La madre de Kara, Gwendolyn,[5] trabajó como asistente administrativa.[6] Al reflexionar sobre la influencia de su padre, Walker recuerda: "Uno de mis primeros recuerdos consiste en sentarme en el regazo de mi padre en su estudio en el garaje de nuestra casa y verlo dibujar. Recuerdo que pensé: 'También quiero hacer eso.' En ese momento decidí que era un artista como papá."[7] La familia de Walker se mudó a Atlanta, donde su padre tomó una posición en la Universidad Estatal de Georgia. Se establecieron en Stone Mountain.[5]

Walker recibió su BFA de la Atlanta College of Art en 1991 y su MFA de la Rhode Island School of Design en 1994.[8] Al principió le incomodaba abordar la cuestión de la raza en sus creaciones pero encontró su voz sobre este tema mientras asistía a la Escuela de Diseño de Rhode Island para su maestría. Le procupaba que el hecho de tener la raza como núcleo de su contenido fuera percibido como demasiado obvio.

Según el crítico de arte del New York Times, Holland Cotter, "nada acerca de la vida muy temprana de [Walker] parece haberla predestinado para esta tarea. Nacida en 1969, creció en un suburbio integrado de California."[9] Walker se mudó a la Georgia natal de su padre[10] a la edad de 13 años, cuando aceptó un puesto en la Universidad Estatal de Georgia. Esto fue un choque cultural para la joven artista: "En un marcado contraste con el ambiente multicultural generalizado que Walker había disfrutado en la costa de California, en Stone Mountain todavía había mítines del Ku Klux Klan. En su nueva escuela secundaria, Walker recuerda que "me llamaron 'nigger', me veían como un mono, me acusaban (no sabía que era una acusación) de ser una 'Yankee'.[11]

Walker es especialmente conocida por sus frisos panorámicos de siluetas de papel cortado, usualmente figuras negras contra una pared blanca, que abordan la historia de la esclavitud y el racismo estadounidenses a través de imágenes violentas e inquietantes.[12] También ha producido trabajos en gouache, acuarela, vídeo animación, títeres de sombras, proyecciones de "linterna mágica", así como instalaciones escultóricas a gran escala como su ambiciosa exhibición pública con Creative Time llamada A Subtlety (2014). Las siluetas en blanco y negro se enfrentan a las realidades de la historia, al tiempo que utilizan los estereotipos de la era de la esclavitud para relacionarse con las preocupaciones actuales de la época.[13] Su exploración del racismo estadounidense puede aplicarse a otros países y culturas con respecto a las relaciones entre raza y género, y nos recuerda el poder del arte para desafiar las convenciones.[14]

La primera vez que llamó la atención del mundo del arte fue en 1994 con su mural Gone, An Historical Romance of a Civil War as It Occurred Between the Dusky Thighs of One Young Negress and Her Heart. Este mural de silueta de papel cortado, que presenta un sur de Antebellum lleno de sexo y esclavitud, fue un éxito instantáneo.[15] A la edad de 27 años, se convirtió en la segunda donante más joven de la donación de "genio" de la Fundación John D. y Catherine T. MacArthur,[16] en segundo lugar solamente al renombrado maya David Stuart. En 2007, la exposición del Walker Art Center Kara Walker: My Complement, My Oppressor, My Enemy, My Love fue la primera encuesta a gran escala realizada por la artista en los Estados Unidos.

Sus influencias incluyen a Adrian Piper, quien "jugó con su identidad de mujer negra de piel clara para eliminar el racismo de su escondite usando[17] autorretratos políticos que abordan el ostracismo, la otredad, el "paso" racial y el racismo",[18] Andy Warhol y Robert Colescott que insertaron caricaturas de Dixie en su versión de las casas de campo de los campesinos holandeses de Vincent Van Gogh.[15]

Las imágenes de la silueta de Walker trabajan para unir el folclore inacabado en el sur de Antebellum, planteando cuestiones de identidad y género para las mujeres afroamericanas en particular. Sin embargo, debido a su enfoque de confrontación al tema, la obra de Walker recuerda al Pop Art de Andy Warhol durante la década de 1960 (de hecho, Walker dice que adoraba a Warhol cuando era niña).[6] Sus imágenes de pesadilla pero fantásticas incorporan una sensación cinematográfica. Walker usa imágenes de libros de texto históricos para mostrar cómo se representaban los esclavos afroamericanos durante el sur de Antebellum.[6] La silueta era algo tradicional en la historia del arte estadounidense. Se usaba a menudo para retratos familiares e ilustraciones de libros. Walker continuó con esta tradición de retratos, pero los utilizó para crear personajes en un mundo de pesadilla, un mundo que revela la brutalidad del racismo y la desigualdad en Estados Unidos.

El trabajo de Walker pretende exponer la realidad humillante y desesperada que era la vida de los esclavos de las plantaciones. También incorpora fragmentos ominosos y afilados del paisaje del sur como los musgos españoles y una luna gigante oculta por nubes dramáticas. Estas imágenes rodean al espectador y crean un espacio circular, claustrofóbico. Este formato circular rindió homenaje a otra forma de arte, la pintura histórica de 360 grados conocida como el ciclorama.[13] Algunas de sus imágenes son grotescas, por ejemplo, en The Battle of Atlanta, un hombre blanco, probablemente un soldado sureño, está violando a una niña negra mientras su hermano mira en estado de shock, un niño blanco está a punto de insertar su espada en la vagina de una mujer negra casi linchada, y un esclavo negro negro llueve lágrimas sobre un muchacho blanco adolescente. El uso de estereotipos físicos, como perfiles más planos, labios más grandes, nariz más recta y cabello más largo, ayuda al espectador a distinguir de inmediato a los "negros" de los "blancos". Está claro en su obra de arte quién está en el poder y quién es la víctima de las personas con poder. Hay una jerarquía en América relacionada con la raza y el género, con hombres blancos en la parte superior y mujeres de color (específicamente negra) en la parte inferior. Walker describe las desigualdades y el maltrato a los afroamericanos por parte de sus homólogos blancos. Los espectadores en el Studio Museum en Harlem se veían enfermos, en shock, y algunos se horrorizaron al ver su exposición. Thelma Golden, la curadora jefe del museo, dijo que "a lo largo de su carrera, Walker ha desafiado y cambiado la forma en que vemos y entendemos la historia de los Estados Unidos. Su trabajo es provocativo y emocionalmente desgarrador, aunque abrumadoramente hermoso e intelectualmente convincente."[19] Walker ha dicho que su trabajo aborda la manera en que los estadounidenses ven el racismo con un "enfoque suave", evitando "la confluencia del disgusto y el deseo y la voluptuosidad que están envueltos en ... el racismo."[13]

Encargos

En 2002, Walker creó la instalación An Abbreviated Emancipation (from a larger work: The Emancipation Approximation), encargada por el Museo de Arte de la Universidad de Míchigan, Ann Arbor.[21] El trabajo abordó las relaciones raciales y sus raíces en el sistema de esclavitud anterior a la Guerra Civil.

En 2005, The New School dio a conocer la primera instalación de arte público de Walker, un mural específico para el sitio titulado Event Horizon y colocado a lo largo de una gran escalera que conduce desde el vestíbulo principal a un importante espacio de programas públicos.[22]

A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby

En mayo de 2014, Walker debutó su primera escultura, una pieza monumental y una obra de arte pública titulada, A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby, an Homage to the unpaid and overworked Artisans who have refined our Sweet tastes from the cane fields to the Kitchens of the New World on the Occasion of the demolition of the Domino Sugar Refining Plant. El trabajo masivo se instaló en la Domino Sugar Refinery en Brooklyn y fue comisionado por Creative Time. La instalación consistió en una esfinge femenina colosal, que medía aproximadamente 75 pies de largo por 35 pies de altura, precedida por un arreglo de quince figuras masculinas jóvenes de tamaño natural, apodadas asistentes. La esfinge, que tenía la cabeza y las características del arquetipo de Mammy, se hizo cubriendo un núcleo de bloques de poliestireno cortados a máquina con una mezcla de azúcar blanca; Domino donó 80 toneladas de azúcar para la pieza de Walker.[23] Las figuras más pequeñas, modeladas a partir de figurillas racistas que Walker compró en línea, fueron moldeadas con azúcar hervida (similar a un caramelo duro) y tenían un color ámbar oscuro o negro. Después de que la exposición se cerró en julio de 2014, la fábrica y las obras de arte fueron demolidas como se había planeado antes del espectáculo.[24] Walker ha insinuado que la blancura del azúcar hace referencia a su "calidad estética, limpia y pura". El comercio de esclavos también se destaca en la escultura. Walker también compuso los muchachos de "Lollipop" alrededor de la esfinge también hecha de azúcar que se ha convertido en melaza.[25] El crítico de arte Jamilah King, que remarcó a la audiencia abrumadoramente blanca en la exposición junto con el contenido político e histórico de la instalación, argumentó que "la exposición en sí es un comentario sorprendente e increíblemente bien ejecutado sobre la relación histórica entre raza y capital, a saber, el dinero obtenido de las espaldas de los esclavos negros en las plantaciones de azúcar en todo el hemisferio occidental. Por lo tanto, la presencia de tanta gente blanca, y mi propia presencia como mujer negra descendiente de esclavos, también parece ser parte del espectáculo."[26]

Otros Proyectos

A Subtlety, or the Marvelous Sugar Baby

Para la temporada 1998/1999 en la Ópera Estatal de Viena, Kara Walker diseñó una imagen a gran escala (176 m²) como parte de la serie de exhibición "Safety Curtain," concebida por el museo en curso.[27] En 2009, Walker curó el volumen 11 de Merge Records', Score!. Invitado por el artista Mark Bradford en 2010 para desarrollar un conjunto de planes de lecciones gratuitas para maestros de K-12 en el Museo J. Paul Getty, Walker ofreció una lección en la que los estudiantes colaboraron en una historia intercambiando mensajes de texto.[28]

En marzo de 2012, el artista Clifford Owens realizó una partitura de Kara Walker en el MoMA PS1.[29]

En 2013, Walker produjo 16 litografías para una edición limitada, impresión artística del libreto Porgy & Bess, de DuBose Heyward e Ira Gershwin, publicado por Arion Press.

Philippe Vergne organizó la primera encuesta sobre el museo de Walker[36] en 2007 para el Walker Art Center en Minneapolis y viajó al Museo Whitney en Nueva York, al Museo Hammer[37] en Los Ángeles, y al ARC/Musee d'Arte moderno de la villa de París.[38]

Entre las colecciones públicas que llevan a cabo obras de Walker se encuentran el Instituto de Arte de Minneapolis[41] y el Museo de Arte Weisman (Minneapolis, Minnesota);[42] la Colección Tate, Londres;[43] el Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles,[44] la Colección Menil,[45] Houston; y el Muscarelle Museum of Art, Williamsburg, Virginia. Jeffrey Deitch y Dakis Joannou han recopilado los primeros trabajos en papel a gran escala, entre otros.[46]

En 1997, Walker, que tenía 28 años en ese momento, era una de las personas más jóvenes en recibir una beca MacArthur.[47] Hubo muchas críticas debido a su fama a tan temprana edad y al hecho de que su arte era el más popular dentro de la comunidad blanca.[48] En 2007, Walker fue incluido entre los 100 artistas más influyentes en el mundo de la revista Time, en una cita escrita por su colega Barbara Kruger.[49] En 2012, fue elegida para la Academia Americana de Artes y Letras.

Walker también recibió numerosas subvenciones y becas, como el Premio Deutsche Bank[50] y el Premio Larry Aldrich. Fue la representante de los Estados Unidos para la 25a Bienal Internacional de São Paulo en Brasil (2002).[36] En 2016 completó una residencia en la Academia Americana en Roma.[51]

Walker ha sido presentada en PBS. Su trabajo adorna la portada de la grabación del músico Arto Lindsay, Salt (2004).

Al principio de su carrera, Walker vivía en Providence, Rhode Island con su esposo, el profesor de joyería de origen alemán Klaus Bürgel,[52] con quien se casó en 1996. En 1997, dio a luz a una hija.[53] La pareja se separó y su divorcio se finalizó en 2010.[54] A partir de 2017, Walker está en una relación con el fotógrafo y cineasta Ari Marcopoulos.[51]

Walker se mudó a Fort Greene, Brooklyn en 2002 y ha sido profesor de artes visuales en el programa MFA en la Universidad de Columbia desde entonces. Mantuvo un estudio en Garment District, Manhattan desde 2010 hasta 2017.[51] En mayo de 2017, trasladó su práctica artística a un estudio en Industry City.[51] También es propietaria de una casa de campo en la zona rural de Massachusetts.

Además de su propia práctica, Walker fue miembro de la Junta de Directores de la Fundación para las Artes Contemporáneas (FCA) entre 2011 y 2016.

• The Time 100: Time Magazine's Profile of Kara Walker Archivado el 27 de marzo de 2012 en Wayback Machine.
• Biography, interviews, essays, artwork images and video clips from PBS series Art:21 -- Art in the Twenty-First Century - Season 2 (2003)
• Interview with Kara Walker on YouTube
• An interview with Kara Walker
• Biographical, press, and works information Archivado el 27 de marzo de 2005 en Wayback Machine.
• Kara Walker's work information at the Walker Art Center
• Kara Walker's exhibition at The Renaissance Society, 1997
• Kara Walker's 2007 Whitney Exhibit
• Video clip of Kara Walker's Whitney exhibit, Prt I by James Kalm
• Video clip of Kara Walker's Whitney exhibit, Part II by James Kalm
• Kara E. Walker's Song of the South at REDCAT
• Review of Kara Walker No / Kara Walker Yes / Kara Walker ? Archivado el 10 de enero de 2016 en Wayback Machine.
• A Horrible Beautiful Beast
• Review of Kara Walker's work in Huckleberry Finn at CCA Wattis ICA, San Francisco