Metallica (album)

La teinte de la pochette de l'album conduit rapidement l'album a être dénommé le Black Album[4]. James Hetfield précise : « Il n’y avait pas de thème particulier. C’était juste une pochette noire et il fallait écouter la musique. Les gens n’étaient pas distraits par un dessin »[5].

La pochette contient néanmoins deux illustrations en relief : le logo du groupe en haut à gauche et, en bas à droite, un serpent à sonnette enroulé. Ce dernier est inspiré du Gadsden flag, drapeau créé en 1775 par Christopher Gadsden durant la guerre d’indépendance américaine et comportant en outre la devise « Don’t tread on me » (Ne me marchez pas dessus). C'est une référence à une chanson de l'album qui reprend les mêmes mots dans son titre et qui évoque les discours politiques de cette guerre. Au-delà de cette période historique, cette devise illustre l'esprit d'indépendance du groupe[5]^,[6]^,[7].

C'est un titre très rythmé et qui traduit la colère du groupe envers les critiques des médias. C'est un message adressé à quelqu'un qui ne doit pas juger les autres (ici, c'est le groupe ou l'autre personnage de la chanson) et ferait mieux de se regarder plutôt que de juger ; puis on lui demande s'il n'a pas autre chose de mieux à faire. L'arrogance et l'ignorance sont éternelles puisqu'elles vont main dans la main.

Le personnage de la chanson lui fait clairement comprendre que ce sont les autres qui ont fait de sa vie ce qu'il est devenu et selon la chanson « doit reconstruire des ponts avec de la richesse ».

Le début de la chanson est particulièrement énergique avec la partie où Lars Ulrich fait une rythmique à la batterie pendant les 30 premières secondes de la chanson.

James Hetfield a déclaré dans une interview en avril 2001 que Holier than Thou était une chanson « sotte » selon ses termes et était plus inspirée d'un style d'écriture ancien.

Lors de la tournée qui a suivi la sortie de l'album Metallica, Holier than Thou a été peu interprétée en live mais fut cependant interprétée à quelques reprises lors de tournées plus récentes du groupe, notamment en 1996 et 2003-2004.

Les paroles de la chanson relatent que tout ce qui existe aujourd'hui dans le monde se tordra et se tournera à travers le néant (« All that is, ever, everwas, will be ever twisting, turning through the never »). Il est dit aussi que les gens ont faim de vivre avec l'obligation de survivre. De plus les personnages de la chanson vont aller dans le néant et qu'ils ne reviendront jamais.

Le second couplet du morceau s'attarde sur certaines choses en particulier comme le fait de contempler le vent des cieux, de poursuivre une certaine quête et de dire que la curiosité titille tout le monde (en étant seuls dans le système solaire).

Lars Ulrich a déclaré que cette chanson était une des plus rapides de l'album et que si le groupe avait composé ce morceau dans les années 1980 le rythme à la batterie aurait été beaucoup plus rapide tandis qu'ici comme sur la plupart des chansons de cet album le rythme à la batterie est plus tempéré et modéré. De plus il a ajouté qu'il voyait les choses différemment aujourd'hui (cette déclaration date de 1991) et que si les fans n'appréciaient pas ce revirement, qu'ils ne se gênent pas pour envoyer des lettres afin de dire ce qu'ils pensent.

Le titre de la chanson est une référence au roman de John Steinbeck Des souris et des hommes (Of Mice and Men).

La chanson relate les similitudes existant entre le loup et l’homme ; de plus elle parle surtout du fait de se transformer en loup-garou (l’expression shape shift est beaucoup utilisée dans le morceau ainsi que Hair Stands on the Back of my Neck) et parle de préserver ses instincts naturels et la nature en elle-même et ne pas laisser la culture nous déshumaniser. Puis la chanson relate peut-être le fait de ne pas oublier notre côté humain et sans doute aussi de vivre une vie plus sauvage et de dire d’une certaine manière non à la société. Il y a une part de loup dans chaque être humain (Seek the Wolf in Thyself).

Of Wolf and Man fut interprétée en concert lors du concert symphonique S & M en 1999 à San Francisco et fut jouée par le groupe en septembre 2008 lors de prestations télévisées avant d’entamer en octobre 2008 leur tournée à la suite de la parution de leur album Death Magnetic. Elle fut également jouée en juillet 2009, au concert à Werchter.

La chanson commence par un riff de basse qui est joué seul pendant 15 secondes avant que la guitare et la batterie ne viennent jouer à leur tour. Ce même riff de basse revient vers la 3^e minute (après le deuxième couplet) pour être joué environ pendant 30 à 45 secondes puis la batterie vient à son tour avant qu'un solo de guitare ne surgisse (plutôt calme); on entend toujours ce riff de basse mais moins.

Cette chanson, qui au départ devait être entièrement instrumentale, parle des gens qui endossent de lourdes responsabilités et qui découvrent que ceux qu'ils représentent ne les soutiennent pas. La chanson a été écrite autour de la ligne de basse de Jason Newsted un peu comme Sweet Emotion d'Aerosmith selon Lars Ulrich.

Cette chanson de Metallica parle de la misère présente dans le monde. Les paroles s'adressent directement à « elle ». Le chanteur trouve que la misère prend un poids trop important dans notre société, et qu'elle n'est pas faite pour ça, donc qu'elle ne devrait pas exister : « Misery, you insist that the weight of the world should be on your shoulders » (« Misère, tu insistes pour que le poids du monde soit sur tes épaules »).

Le second couplet justifie plus ou moins sa présence sur terre. Il dit que nous sommes dans une époque où la nature humaine est exploitée, comme pour s'en servir comme des cobayes. La dernière phrase de ce couplet résume bien d'ailleurs la place que prend la misère dans ce monde : « Remember, misery loves company » (« Souviens toi, la misère aime la compagnie »).

Le début de la chanson commence par une intro militaire à la caisse claire puis vient le riff de guitare avant que James Hetfield ne chante avec une voix assez enragée (tout comme sur ((Holier than Thou et Through the Never). De plus la chanson est énergique tout comme les deux chansons précédemment citées. Le solo de guitare apparaît vers la 2^e minute et 20 secondes et dure environ une quinzaine de secondes avant de redémarrer vers la 2^e minute 50 seconde pour ne durer qu'entre 5 et 10 secondes.

Les paroles semblent raconter le combat de l'intérieur d'une personne (The Struggle Within) qui notamment donne un coup de pied à un cheval mort et ne semble pas avoir envie de montrer sa gratitude envers qui que ce soit ou quoi que ce soit. Ces paroles sont extraites du premier couplet.

Le second couplet dit que la maison du personnage de la chanson n'en est pas une et que ce dernier la transforme en enfer puis en une cellule de prison ; de plus ce personnage se bat contre lui-même et qu'il lutte à l'intérieur de son enfer.

Enfin le refrain dit que le combat de l'intérieur va bien à ce personnage et qu'il est sa ruine tout en scellant son destin dans un cercueil qu'il s'apprête à construire.