Art brut

Adolf Wölfli, Irren-Anstalt Band-Hain (1910), Lausanne, Collection de l'art brut.

Anna Zemánková, Sans titre (1960), localisation inconnue.

Le terme d'art brut a été employé en 1945 par Dubuffet lors de son périple dans les hôpitaux psychiatriques en Suisse cette année-là avec Jean Paulhan. L'expression apparaît par écrit dans une lettre qu'il a adressée au peintre suisse René Auberjonois, le 28 août 1945[5]^,[note 1]. Grâce à ses amis Jean Paulhan et Raymond Queneau, il découvre les créations d'adultes autodidactes ou psychotiques. Et c'est Paul Budry, qui a passé son enfance à Vevey, qui le met en contact avec le cercle médical suisse. Dubuffet entreprend alors avec Paulhan son premier voyage de prospection pendant trois semaines dans les hôpitaux psychiatriques suisses. À l'occasion d'un deuxième voyage en Suisse, et après avoir échangé de nombreux courriers avec lui, Dubuffet rencontre le psychiatre genevois Georges de Morsier, dont la patiente, Marguerite Burnat-Provins, intéresse le peintre pour ses recherches sur l'art brut[7].

Deux ans auparavant, en novembre 1943, le poète Paul Éluard, qui entretient des liens étroits avec de nombreux artistes, se réfugie à l'hôpital psychiatrique de Saint-Alban, dirigé par le docteur Lucien Bonnafé (proche des surréalistes) et François Tosquelles, et y découvre les œuvres de patients, qu'il rapporte à Paris, notamment celles d'Auguste Forestier, qui fabrique des petites statues avec des bouts de ficelle, de bois ou de métal, et qu'Éluard fait connaître à Picasso, Raymond Queneau, Jean Dubuffet[8]. Dans cet hôpital, aujourd'hui considéré comme le berceau de la psychothérapie institutionnelle, les créations de certains patients étaient déjà conservées depuis 1914 et ont par la suite rejoint les plus grandes collections d'art brut[9].

Les biographies de Dubuffet ne donnent cependant pas la même version de la rencontre Éluard/Dubuffet, ni de sa découverte de l'artiste Auguste Forestier : « à la fin de l'année 1943, Georges Limbour amène Jean Paulhan, qui amène à son tour Pierre Seghers, André Parrot, Paul Éluard, André Frénaud, Eugène Guillevic, Francis Ponge, Jean Fautrier, Queneau, René de Solier, Marcel Arland, et beaucoup d'autres. Durant tout l'hiver, Dubuffet s'occupe de lithographie à l'atelier Mourlot, Paris[10] » La fondation Dubuffet donne approximativement les mêmes informations[11]. Ce qui pose une question : comment Paul Éluard, pouvait-il être fin 1943 à la fois caché à l'hôpital psychiatrique de Saint-Alban et présenté à Dubuffet par Jean Paulhan à Paris? Et comment Dubuffet a-t-il pu découvrir l'artiste Forestier par Éluard, alors qu'il n'en a entendu parler que par le docteur Ferdières à Rodez qui lui a conseillé en 1945 de se rendre à l'hôpital de Saint-AlBan[12]?

En septembre 1945, Jean Dubuffet se rend à l'asile de Rodez pour voir Antonin Artaud. Le docteur Ferdière qui soigne Antonin Artaud lui conseille de se rendre à l'hôpital de Saint Alban[12], ce que le peintre fera par la suite[13]. Dubuffet visite encore d'autres hôpitaux psychiatriques et des prisons, rencontre des écrivains, artistes, éditeurs ainsi que des conservateurs de musée et des médecins[14].

Il prolonge ensuite les découvertes et les travaux faits par le docteur Hans Prinzhorn dans les années 1920 sur l'art des « fous », mais aussi l'étude que le docteur Morgenthaler a consacrée en 1921 à un interné psychiatrique qui reste l'un des plus emblématiques représentants de l'art brut, Adolf Wölfli, sous le titre allemand Ein Geisteskranker als Künstler, dont il a découvert les talents en 1914[6]. Le docteur Morgenthaler était « Psy-chef à la Waldau de 1913 à 1920 », il a rassemblé, outre l'œuvre de Wölfli, plusieurs milliers d'œuvres réalisées par des patients.[15]

Très vite, en parcourant les asiles psychiatriques de Suisse où il rencontre Aloïse, et de France, puis en y intégrant des créateurs isolés et ceux que l'on a qualifiés de « médiumniques », Dubuffet constitue une collection d'œuvres qui sera administrée par la Compagnie de l'art brut (à laquelle sera associé un temps André Breton) à Paris et qui, après bien des péripéties, sera finalement hébergée à Lausanne en 1975, où elle se trouve toujours, sous l'appellation de la Collection de l'art brut[14].

La première étude de l'art des fous est parue en 1906, écrite par le docteur Paul Meunier (1873-1957)[16], psychiatre et poète sous le titre L'Art chez les fous, le dessin, la prose, la poésie[17]. Il a été le premier en France au XIX^e siècle à s'intéresser aux fous : « qui dévoilent la nudité du mécanisme de la création [18]. » Réja se proposait d'étudier les œuvres des fous pour comprendre le génie, en fait, pour comprendre le paradoxe de la création. « Il va dénuder l'acte de l'artiste jusqu'à atteindre la limite […] au cœur de l'inscription de l'acte pictural. Dans ce même temps où s'est mis à nu l'acte de création, est apparue la notion d'art brut[19] ». De ces fous-artistes Marcel Réja disait « Humbles adeptes qui sont au maître ce qu'est au diamant la poussière de charbon » ; cinquante ans plus tard, Dubuffet s'en fait l'écho dans Prospectus et tous écrits suivants[20] : « l'or m'émeut bien davantage au moment où il apparaît en poudre informe, mêlé en pauvre quantité au sable de la rivière, qu'après qu'il est sorti des mains de l'orfèvre ».

Réja était aliéniste à Villejuif, mais il reste très peu connu. Lors de la réédition de son livre en 2010 Mediapart faisait paraître un article : « Vous ne trouverez pas Marcel Réja sur wikipédia, ne cherchez pas sur le web[21] ». Médiapart souligne la place importante que Réja accorde aux dessins d'enfants et aux sauvages. Le chapitre II de l'ouvrage intitulé Dessins d'enfants et de sauvages se justifie par le parallèle que Réja a établi entre eux : « L'enfant n'acquiert le sentiment du beau que relativement assez tard. Tout d'abord, il a bien d'autres choses à faire[22]. » Si Réja rapproche les sauvages des enfants, c'est parce que des peuplades comme celles d'Australie n'auraient pas, comme les enfants, la sensation du beau. Il se réfère pour cela aux travaux de l'ethnologue Oldfield : « Selon Oldfield, les indigènes d'Australie sont incapables de reconnaître un portrait d'homme […] Ainsi, pour leur donner l'idée d'un homme, il faut leur faire une tête démesurément grande [par rapport aux autres parties du corps plus petites]. C'est là, exactement, la mentalité d'un enfant de trois ans[23] […] Il semble que la sculpture soit apparue la première : on sait par ailleurs que les sauvages, non familiarisés avec l'usage du miroir, ont les plus grandes difficultés à admettre qu'un être soit représenté sans profondeur[24]. » Ces remarques « européo-centrées »[note 2], et certains jugements un peu académiques peuvent paraître insoutenables si l'on oublie que l'essentiel du travail de Réja se situe bien avant les grandes révolutions esthétiques du XX^e siècle. Il a eu pourtant une large audience et son livre a été réédité en 1907 et 1908[25]

Précédant Réja, au XIX^e siècle, des médecins légistes comme Tardieu ou Cesare Lombroso prennent en compte les productions artistiques de certains patients. Mais en France, la production plastique des malades mentaux reste méconnue jusqu'au début des années 1920. Lombroso a publié en 1876 L’homme criminel, entre science et littérature (1876). Mais c'est le livre de Hans Prinzhorn Expression de la folie. Dessins, peintures, sculptures d'asiles qui a eu un effet révolutionnaire dans les milieux artistiques[26]

Harry Bellet, dans un article du 13 août 2005, remonte le temps de l'art brut et des malades mentaux dans le journal Le Monde, en citant les premiers travaux des psychiatres sur le sujet. « Ceux du docteur Benjamin Rush, (1812) et le « premier livre spécifiquement consacré au sujet, L'Art malade : dessins de fous[note 3] » de Marcel Réja, écrit en 1901 un an après que le Bethlem Royal Hospital de Londres ait organisé la première exposition d'œuvres de malades mentaux. En 1905, Auguste Marie, médecin chef de l'asile de Villejuif, ouvre au public le Musée de la folie [27] ^,[28]. »

Harry Bellet mentionne aussi les artistes de la « galaxie art brut » notamment « l'incontournable fâché » André Breton, « qui a passé sa vie à se brouiller ou à exclure[29] », et qui envoie sa démission en 1951 à la Compagnie de l'art brut créée à l'initiative de Dubuffet en 1948. Bellet précise que Dubuffet s'intéressait à « l'art des fous » depuis 1923[28].

Attribué à l'abbé Fouéré (1839-1910), Homme-animal, Lille, LaM.

Dubuffet redéfinit souvent l'art brut, cherchant dans un premier temps, à le distinguer de l'art populaire, de l'art naïf, des dessins d'enfants, puis créant la « Neuve Invention » au sein de sa collection, à laquelle il intègre également l'art singulier genre où se mêlent les « habitants paysagistes » et les « naïfs », rassemblés dans une exposition en 1978 au musée d'Art moderne de la ville de Paris[30]. Cette même exposition présente « Les Marges de l'art populaire », où selon Raymonde Moulin « les Singuliers de l'art travaillent sans apprentissage, sans modèles hérités, ni savoir transmis, sans marché défini et ont fort peu à voir avec les artistes[31]. »

Sa toute première définition est donnée en 1949 :

« Nous entendons par là des ouvrages exécutés par des personnes indemnes de culture artistique, dans lesquels donc le mimétisme, contrairement à ce qui se passe chez les intellectuels, ait peu ou pas de part, de sorte que leurs auteurs y tirent tout (sujets, choix des matériaux mis en œuvre, moyens de transposition, rythmes, façons d’écriture, etc.) de leur propre fond et non pas des poncifs de l’art classique ou de l’art à la mode. Nous y assistons à l’opération artistique toute pure, brute, réinventée dans l’entier de toutes ses phases par son auteur, à partir seulement de ses propres impulsions. De l’art donc où se manifeste la seule fonction de l’invention, et non, celles, constantes dans l’art culturel, du caméléon et du singe. »

— Jean Dubuffet, L’art brut préféré aux arts culturels, 1949 (Manifeste accompagnant la première exposition collective de l’art brut à la Galerie Drouin, reproduit dans Prospectus et tous écrits suivants, Gallimard, 1967)

Dans un deuxième temps, en 1963, Dubuffet élargit la définition de l'art brut:

« Des productions de toute espèce- dessins, peinture, broderies, figures modelées ou sculptées etc. présentant un caractère spontané et fortement inventif, aussi peu que possible débitrices de l'art coutumier et des poncifs culturels, et ayant pour auteur des personnes obscures ou étrangères aux milieux artistiques professionnel. »

— Jean Dubuffet, Notice sur la Compagnie de l'art brut, 1963[32].

Dans un troisième temps, il précise encore dans Fascicule de l'art brut numéro 1[32]. :

« Œuvres ayant pour auteurs des personnes étrangères aux milieux intellectuels, le plus souvent indemne de toute éducation artistique, et chez qui l'invention s'exerce, de ce fait, sans qu'aucune incidence ne vienne altérer leur spontanéité[33]. »

Ce fascicule publié en 1964 comprend les artistes : Joseph Giavarini, Palanc l'écrituriste, Raphaël Lonné, Miguel Hernandez, Clément : Le Lambris de Clément, Benjamin Arneval, Heinrich Anton M., Humbert Ribet. Il n'établit aucune hiérarchie.

Souvent paraphrasées, voire déformées, ces définitions ont donné lieu à des confusions. Certains critiques d'art ont contribué à alimenter des amalgames entre les exclus de la scène de l'art en les situant historiquement en gros de 1880 à 1960, depuis facteur Cheval et la mort de Gaston Chaissac, comme le fait Christian Delacampagne dans son ouvrage Outsiders[34]. Ou bien en laissant les ousiders envahir (sic) une exposition d'art brut[35]. Ou encore en accueillant dans un lieu initialement animé par des expositions d'art brut le Folk art(art populaire) et l'art outsider, des collections de Chicago comme cela a été le cas à la Halle Saint-Pierre en 1998 et 1999 où, selon Martine Lusardy, il s'agissait de « fêter le dixième anniversaire de la mort de Jean Dubuffet et l'ouverture à Lausanne de la célèbre collection de l'art Brut[36]. ». Le Folk art est une définition américaine et n'existe pas en France sous ce terme, ni même sous cette forme. En revanche, l'art populaire a eu un musée : le Musée national des arts et traditions populaires à Paris où se côtoyaient les arts forains, les outils de compagnons, le mobilier et les objets usuels anciens. À présent fermé, une partie de ses collections a été transférée à Marseille au Musée des civilisations de l'Europe et de la Méditerranée.

Par la suite, avec Michel Thévoz conservateur de la Collection de l'Art Brut[note 4], Dubuffet a élargi le champ de la définition de l'art brut « aux arts presque brut » sous l'appellation « art hors-les-normes pour les œuvres presque brutes[37] » , puis pour les œuvres de la collection de Lausanne « pas tout à fait brut », il choisit le terme de « Neuve invention[38] »

Parmi les citations de Dubuffet les plus souvent reproduites dans les études d'art brut on trouve celle ci traduite en anglais dans le catalogue Outsiders 1979 : « L’art ne vient pas coucher dans les lits qu’on a faits pour lui ; il se sauve aussitôt qu’on prononce son nom : ce qu’il aime c’est l’incognito. Ses meilleurs moments sont quand il oublie comment il s’appelle. »[39] Et cette autre, publiée par Dubuffet lors de la rétrospective de ses œuvres en 1961 : « Le vrai art il est toujours là où on ne l'attend pas. Là où personne ne pense à lui ni ne prononce son nom. L'art, il déteste d'être reconnu et salué par son nom. Il se sauve aussitôt. L'art est un personnage passionnément épris d'incognito. Sitôt qu'on le décèle, que quelqu'un le montre doigt, alors il se sauve en laissant à sa place un figurant lauré qui porte sur son dos une grande pancarte où c'est marqué Art, que tout le monde asperge aussitôt de champagne et que les conférenciers promènent de ville en ville avec un anneau dans le nez- Jean Dubuffet dans le catalogue de la rétrospective de 1961. »[40]

Dès 1971, un architecte, Alain Bourbonnais, monte sa propre collection d'artistes marginaux. Il rencontre Dubuffet la même année et décide alors d'ouvrir son propre espace, l'Atelier Jacob, en 1972. Deux nouveaux termes sont créés : l'art « hors-les-normes » puis « singulier »[41]. L'art singulier connaitra la notoriété dès 1978 grâce à la grande exposition organisée par Bourbonnais et Michel Ragon, Suzanne Pagé, et Michel Thévoz : Les Singuliers de l'Art au Musée d'art moderne de la ville de Paris du 19 janvier au 5 mars 1978 . Cette exposition contribuera largement à faire connaître auprès du public : les habitants paysagistes, l'art hors-les-normes, l'art brut, et les marges de l'art populaire[42]. La Collection Bourbonnais s'est installée définitivement à Dicy en 1983 sous le nom de La Fabuloserie[41].

L'Association l'Aracine, créée en 1982 par Madeleine Lommel, réunit une très complète collection d'art brut de plusieurs milliers d’œuvres dont elle fait don à l’État en échange de la construction d'un musée pour la recevoir[43]. Un bâtiment moderne est alors construit, prolongeant le musée déjà existant de Lille/Villeneuve-d'Ascq devenu ainsi musée d'Art moderne, contemporain et d'Art brut en 1999. Il est le premier musée au monde à réunir les « trois arts »[44].

La Maison des Artistes de Gugging, initiée en 1981 en marge d'un hôpital psychiatrique par le D^r Navratil, révèle des artistes comme Johann Hauser ou August Walla[45]. .

Dubuffet lui-même et Michel Thévoz, conservateur de la Collection de l'Art Brut, ont fait entrer dans la catégorie « Neuve Invention », tous ceux qui ne rentrent pas à proprement parler dans la définition du créateur d'art brut, tels que Gaston Chaissac ou Louis Soutter, et qui étaient jusque-là dans une collection « annexe ». À l'occasion de l'exposition Art brut et compagnie à la Halle Saint-Pierre] en 1995 Michel Thévoz en donne la raison : « C'est vrai qu'on ne trouve plus d'art brut dans les hôpitaux psychiatriques sauf à Gugging. Mais le champ de l'art brut s'est seulement déplacé vers les nouveaux exclus de notre société, notamment le vieillards, ou dans de nouveaux ghettos (...). Par ailleurs, parallèlement à l'art brut est en train de se développer, cristallisé par le terme Neuve Invention (ou art parallèle, ou Outsider art, ou art déraciné, hors-normes, peu importe), un art pratiqué par es personnes qui aspirent à communiquer mais qui refusent de se plier aux protocoles de l'institution artistiques[46] » Cette même année voit le jour une revue anglaise spécialisée, Raw Vision, qui donnera définitivement une ampleur internationale au mouvement, désigné alors sous le terme d'Outsider Art (terme proposé dès 1972 par Roger Cardinal dans son livre éponyme).

Faussement naïf, apparenté à l’Art Brut et aujourd’hui classé parmi les Singuliers, Jean-Joseph Sanfourche était un artiste qui brouillait volontairement les pistes. Dans les années 1970, Jean Dubuffet apprécia ces œuvres, y reconnaissant « un pouvoir intensément dramatique et tragique »[47]^,[48].

En 1991, parution du premier numéro de la revue française Gazogène, consacrée à l'art brut et aux artistes singuliers, hors-normes, outsider, voire « bizarres ».

En 1999, l'association abcd (art brut connaissance & diffusion) voit le jour. Installée actuellement à Montreuil, elle œuvre à la diffusion de l'art brut en s'appuyant sur la collection de plus de 4 000 œuvres constituée par Bruno Decharme[49].

En 2005, d'abord sous le nom « Objet Trouvé », Christian Berst ouvre la première galerie spécialisée en art brut à Paris. Aujourd'hui rebaptisée « christian berst art brut », la galerie a ouvert un deuxième espace à New York[50].

Plusieurs musées en relation avec l'art brut et le arts singuliers ont ouvert leurs portes en France, notamment en 1989 le Musée de la Création Franche à Bègles[51], qui est né de la collection de Claude Massé, ami de Jean Dubuffet[52]. À Montpellier l'atelier-musée Fernand Michel a ouvert ses portes le 9 avril 2016[53]^,[54] et s'est transformé en Musee d'arts brut, singuliers et autres[55].

À Lapalisse, dans le département de l'Allier, le marchand d'art Luis Marcel a inauguré en 1997 un musée-galerie d'art brut : L'Art en marche[52]^,[56].

Aux Pays-Bas, le Stadshof Museum de Zwolle inauguré en 1996 présente l'art brut, mais aussi des artistes du monde entier, émancipé des principes classiques sur lesquels se fondent les règles occidentales[57].

À l'art brut, certains musées mêlent aussi l'art naïf et l'art populaire comme le musée de Noyers-sur-Serein, en Bourgogne qui présente « des collections d’arts naïf, brut et populaire, sur 3 étages dans un bâtiment du XVII^e siècle[58].»

La collection d'art brut fondée en 1982 par Madeline Lommel, l'Aracine, a fait l'objet d'une donation au LaM de Villeneuve-d'Ascq. Celui ci aménage un espace de 900 m² consacré à l'art brut, qui ouvre le 25 septembre 2010. L'art brut se trouve pleinement intégré dans l'institution muséale, confronté à l'histoire de l'art « officielle » et accessible à un plus large public[59].

Parallèlement, il suscite l'intérêt des chercheurs universitaires. En septembre 2010, une dizaine d'étudiants ont produit des mémoires ou des thèses portant sur l'art brut. Ils ont créé le CrAB (Collectif de réflexion autour de l’art brut) soutenu par le Centre de recherche HAR de l'Université de Paris Nanterre[60]. Parmi ceux-ci, on trouve Céline Delavaux, auteur de L’Art brut, un fantasme de peintre[61] et Émilie Champenois[62], Pauline Goutain auteure d'une thèse sur la matérialité de l'art brut, Roberta Trapani, auteure d'une thèse sur les environnements singuliers et architectures poétiques. Depuis la rentrée 2010, Barbara Safarova, présidente de l'association abcd, docteur en philosophie, maître de conférence en esthétique, auteur de nombreux articles sur l'art brut, est directrice de programme au Collège international de philosophie et anime un séminaire consacré à l'art brut^{[réf. nécessaire]}.

Depuis le début des années 1990 des chercheurs indépendants ont souligné le caractère universel des productions d'art brut. Des auteurs d'art brut africains ou asiatiques, plus particulièrement japonais et taïwanais mais également chinois et indonésiens, ont ainsi pu être découverts et exposés dans leurs pays d'origine ou dans des galeries et musées occidentaux. Dans beaucoup de ces pays, cependant, (à l'exception notable de Taïwan où à travers les œuvres de Hung Tung ou Lin Yüan, l'art des autodidactes a très tôt été reconnu comme relevant de l'art populaire naïf, par exemple dans l'exposition organisée en 1997 et 1998 à Paris à la Halle St Pierre et au musée d'art moderne de Louvain-la-neuve en Belgique intitulée "17 naïfs de Taïwan"), l'art brut est encore souvent considéré comme relevant d'un art-thérapie pour handicapés mentaux.^{[réf. nécessaire]}

Fin 2016, une exposition intitulée "Brut Now, l'art brut au temps des technologies" est montée par Les musées de Belfort et l'espace multimédia gantner[63]. Elle ré-interroge la notion d'art brut avec les appropriations de nouveaux outils de production comme la photographie, la musique.

Les dates sont issues de L'Art brut de Françoise Monnin[64].