Peter Bogdanovich

Nació en Kingston, Nueva York, en 1939. Fue concebido en Europa, hijo de inmigrantes que huyeron de los nazis. Su padre era un pintor y pianista serbio, cristiano ortodoxo,[2] mientras que su madre descendía de una rica familia judía austriaca.

En los años cincuenta, trabajó como actor. Estudió el método interpretativo con la legendaria profesora Stella Adler y solía aparecer en televisión y en obras de teatro veraniegas. A principios de los años sesenta adquirió notoriedad al programar diversas películas en el museo MOMA de Nueva York.

Cinéfilo obsesivo —llegó a ver 400 películas al año, en su juventud—, analizó principalmente obras de directores estadounidenses como John Ford —de quien escribiría un libro tras las retrospectivas de ese museo— y del entonces minusvalorado Howard Hawks. Bogdanovich también recuperó a olvidados pioneros del cine estadounidense tales como Allan Dwan, a quien entrevistó.[3]

Empapado en la tradición estadounidense, estuvo parcialmente influido por la crítica francesa de los años cincuenta de Cahiers du Cinéma, especialmente por el director convertido en crítico François Truffaut. Antes de convertirse él mismo en director, Bogdanovich labró su reputación con sus artículos en la revista Esquire. En 1968, siguiendo el ejemplo de sus admirados colaboradores de Cahiers du Cinéma —Truffaut, Jean-Luc Godard, Claude Chabrol y Jacques Rivette, quienes habían creado la Nouvelle Vague en sus propias películas—, Bogdanovich se hizo director.[4]

Junto con su esposa, se trasladó a Los Ángeles donde, gracias a su insistencia con los publicistas, conseguía invitaciones para fiestas y estrenos. En el pase de una película, Roger Corman —que estaba sentado detrás de él— mencionó que le había gustado un artículo de cine suyo en Esquire. De resultas de la consiguiente conversación, Corman le propuso un trabajo como director, que aceptó sin parpadear. Trabajaron en la aclamada Targets (El héroe anda suelto) y en Voyage to the Planet of Prehistoric Women (Viaje al planeta de las mujeres prehistóricas). Tiempo después Bogdanovich se referiría a Corman y su compañía como la mejor escuela de cine posible, cuando hizo su primera película en tres semanas.

De vuelta al periodismo, entabló una larga amistad de por vida con Orson Welles desde que lo entrevistó al inicio en el set de la adaptación por Mike Nichols de Catch-22, de Joseph Heller. Bogdanovich, con sus escritos, tuvo finalmente un gran papel en divulgar a Welles.

En 1971, Bogdanovich, de 32 años, fue aclamado por la crítica como un «wellesiano» niño prodigio cuando se estrenó su filme más célebre, The Last Picture Show (La última película). Recibió ocho candidaturas a los Óscar, entre ellas la de mejor director. Cloris Leachman y el veterano actor de las películas de John Ford, Ben Johnson obtuvieron los premios como mejores intérpretes de reparto. Bogdanovich, que había contado con la modelo Cybill Shepherd para un papel protagonista, se enamoró de la joven belleza, asunto que condujo a su divorcio de la diseñadora de decorados Polly Platt, su colaboradora artística durante muchos años y madre de sus dos hijos.

A La última película siguió el gran éxito What's Up, Doc? (¿Qué me pasa, doctor?, 1972), una alocada comedia deudora de Bringing Up Baby (La fiera de mi niña, 1937) y His Girl Friday (Luna nueva, 1941) de Hawks, con Barbra Streisand y Ryan O'Neal. A pesar de sus homenajes al cine clásico, Bogdanovich se labró su categoría de director estrella al lado de otros como Francis Ford Coppola o William Friedkin, con quienes formó «The Directors Company», un generoso acuerdo de producción con Paramount Pictures que daba a los directores carta blanca mientras se ciñeran al presupuesto. Bajo esta entidad se produjo el siguiente éxito de Bogdanovich, la aclamada Paper Moon (Luna de papel, 1973).

Luna de papel, una comedia de tiempos de la Gran Depresión con Ryan O'Neal, que consiguió que su hija de 10 años, Tatum O'Neal, ganara el Óscar a la mejor actriz secundaria, marcaría el punto culminante de la carrera de Bogdanovich. Forzado a compartir los beneficios con sus colegas directores, Bogdanovich quedó insatisfecho con el trato. Así, The Directors Company sólo produciría dos películas más, la aclamada La conversación de Coppola, candidata al Óscar de 1974, quien ese año obtuvo el premio al mejor director por El padrino II, y Daisy Miller (Una señorita rebelde), de Bogdanovich, película que obtuvo unas críticas muy diferentes.

La adaptación en 1974 de la novela de Henry James Daisy Miller supuso el principio del fin de la carrera de Bogdanovich como director popular y aclamado. La película, protagonizada por Shepherd, la novia de Bogdanovich en ese momento, fue vapuleada por la crítica y fue un fiasco en taquilla. Susiguiente, At Long Last Love, un musical de Cole Porter protagonizado por Shepherd, fue calificada por los críticos como una de las peores películas de la historia. El filme fue también un fracaso en taquilla a pesar de contar con Burt Reynolds, una superestrella de finales de los años 1970.

De nuevo mirando hacia el pasado, insistió en rodar los números musicales de At Long Last Love en directo, un método no usado desde los primeros tiempos del cine sonoro, cuando el ingeniero de sonido Douglas Shearer desarrolló la sincronización de labios en Metro-Goldwyn-Mayer. La decisión fue criticada ya que ninguno de los protagonistas era célebre por sus habilidades como cantante (pero el mismo Bogdanovich produjo el álbum de Shepperd cantando temas de Porter en 1974).

Intentando retomar el fulgor inicial, de nuevo se centró en el pasado y en su propio cine, con Nickelodeon (Así empezó Hollywood), de 1976, comedia sobre los primeros tiempos de la industria cinematográfica, juntando a Ryan y Tatum O'Neal, de su último éxito Luna de papel, con Reynolds. Aconsejado acerca de no emplear a la impopular entre los críticos Shepperd, usó en su lugar a la debutante Jane Hitchcock como la cándida de la película. Desgraciadamente la magia de Luna de papel era irrepetible, y Jane Hitchcok solo haría una película más en su carrera.

Tras una pausa de tres años, volvió con un interesante Saint Jack (1979), pero de éxito crítico y comercial limitado, producida por Playboy Productions de Hugh Hefner. Su largo romance con Shepherd había acabado en 1978, aunque el trato hecho con el productor Hefner era parte de un acuerdo judicial sobre unas fotos de desnudos de La última película «pirateadas» en Playboy.

Estrenó después la película que sería el Waterloo de su carrera, They All Laughed (Todos rieron), una comedia de bajo presupuesto con Audrey Hepburn y Dorothy Stratten, Miss Playboy en 1980. En el rodaje, se enamoró de Dorothy Stratten, que estaba casada con el buscavidas Paul Snider, quien dependía financieramente de ella. Stratten quiso vivir con Bogdanovich, y cuando le contó a Snider que lo abandonaba, este la mató y luego se suicidó. Su depresión le duró tres años.[5] They All Laughed no atrajo al distribuidor, debido al asesinato, a pesar de ser una de las pocas películas hechas por Audrey Hepburn tras su provisional retiro en 1967 (la película sería la última que Hepburn estrenaría como protagonista). Bogdanovich compró los derechos del negativo para difundir la película, pero tuvo un estreno limitado con flojas críticas, y le hizo perder millones de dólares, hasta llevarle a la bancarrota.

Entonces retomó su primera vocación, la escritura, para escribir sobre su fallecido amor en The Killing of the Unicorn, Dorothy Stratten 1960-1980, publicado en 1984. El libro era una respuesta al artículo de Teresa Carpenter "Death of a Playmate", que cargaba contra Bogdanovich y Hefner, afirmando que Stratten era casi tan víctima de ellos dos como de su asesino Snider. El artículo sirvió de base a la película Star 1980 (1983) de Bob Fosse, en la que Bogdanovich era reflejado como el ficticio director Aram Nicholas. La carrera de Bogdanovich como director importante estaba acabada,^{[cita requerida]} aunque obtuvo un éxito modesto con Mask (Máscara) en 1985.

Se había especulado ya que su quiebra como director era segura cuando abandonó a su mujer y colaboradora artística Polly Platt, después de Luna de papel, para unirse con Shephard. Platt trabajó con él en todos sus iniciales éxitos, y críticos oportunistas sugirieron que el control creativo de La última película lo llevó ella. Además su reputación personal sufrió por rumores maliciosos tras su matrimonio con Louse Hoogstraten, la hermana menor de Dorothy Stratten, tres años después de su fallecimiento. La idea de que procuró modelar a Louse Hoogstraten a imagen de su hermana fue desmentida por Bogdanovich.[6] El matrimonio, que duró trece años, acabó en divorcio en 2001.

Su magnífico Texasville (1990), secuela de su La última película, supuso cierta decepción para la crítica y el público, no sin matices. Pero con los años (al disponerse de una buena versión en DVD) se ve que es una obra bien meditada, de gran hondura psicológica y con una gran inteligencia a la hora de abordar a los mismos actores que La última película, veinte años después.

En 1992 dirigió dos películas de cine, Noises Off! (¡Qué ruina de función!) (genial comedia pero de moderado éxito) y 1993, pero su fracaso lo apartó de la gran pantalla hasta el año 2001.

Entonces estrenó The Cat's Meow (El maullido del gato). De nuevo volvía al tema del pasado, esta vez al supuesto asesinato del director Thomas Ince por el magnate William Randolph Hearst (el auténtico Ciudadano Kane, punto de mira de Orson Welles). The Cat's Meow fue un modesto éxito de crítica pero un fracaso en taquilla, y una lección de cine.

El Festival de Venecia de 2014, después de años inactivo para el cine, acogió bien su regreso con la comedia She's Funny That Way (Lío en Broadway).

Falleció de muerte natural en su hogar en Los Ángeles a los 82 años.[1]