The Beatles (álbum)

The Beatles contiene una amplia gama de estilos musicales, por lo que autores como Barry Miles y Gillian Gaar lo consideran el más diverso de cualquiera de los otros álbumes del grupo.[36][37] Estos estilos incluyen el rock and roll, blues, folk, country, reggae, avant-garde,[38] hard rock[39] y music-hall.[40] La producción estética quedó de tal manera que el sonido del álbum fue reducido y menos dependiente de las innovaciones en el estudio, a diferencia de las creaciones anteriores del grupo desde Revolver.[41] El autor Nicholas Schaffner vio esto como el reflejo de un cambio generalizado de la psicodelia del LSD de 1967, un enfoque que fue iniciado por Bob Dylan y The Beach Boys y de manera similar adoptado en 1968 por artistas como The Rolling Stones y The Byrds.[42]

El único instrumento occidental a disposición del grupo durante su visita a la India fue la guitarra acústica, y por lo tanto muchas de las canciones de The Beatles fueron escritas e interpretadas en ese instrumento.[43] Algunas de estas canciones mantuvieron su sonido acústico en The Beatles y se grabaron sin acompañamiento, o solamente por parte del grupo (que son «Wild Honey Pie»,[44] «Blackbird»,[45] «Julia»,[46] «I Will»[47] y «Mother Nature's Son»[48]).

La nueva relación entre John Lennon y Yoko Ono causó tensión en el estudio con los otros Beatles.

Los trabajos de estudio en The Beatles capturaron el trabajo de cuatro artistas cada vez más individualizados que con frecuencia se encontraban en desacuerdo. Lewisohn señala que varias pistas de acompañamiento no cuentan con todo el grupo, y los overdubs tienden a limitarse a quien escribió la canción.[49] A veces McCartney estaba grabando en un estudio por largo tiempo, mientras que Lennon grababa en otro, cada uno utilizando diferentes ingenieros.[50] En los últimos días de sesiones, Martin, cuya influencia sobre la banda había disminuido, decidió de manera repentina tomarse una vacaciones, dejando a Chris Thomas a cargo de la producción.[51] La preferencia de Lennon a Ono por encima de la banda, y la adicción de la pareja a la heroína, dificultaron las condiciones de trabajo a consecuencia de sus propensos ataques de mal genio.

El ingeniero de grabación Geoff Emerick, quien había trabajado con el grupo desde Revolver en 1966, se había desilusionado con las sesiones. En un momento, durante la grabación de «Ob-La-Di, Ob-La-Da», Emerick escuchó a Martin criticar el desempeño vocal de McCartney, a lo que McCartney respondió: «Bueno, vienes abajo y lo cantas tú».[52] El 16 de julio, Emerick anunció que ya no estaba dispuesto a trabajar con ellos y se fue.[52]

Dentro de la banda, según el autor Peter Doggett, «la línea más esencial de comunicación [...] entre Lennon y McCartney» se había roto por la presencia de Ono en el primer día de grabación.[53] Haciendo eco de este punto de vista, el biógrafo de The Beatles, Philip Norman, comenta que, desde el principio, los dos compositores principales del grupo compartían un desprecio mutuo por las composiciones del otro: Lennon encontraba las canciones de McCartney «empalagosas y sosas», mientras que McCartney veía las de Lennon como «duras, ásperas y deliberadamente provocadoras».[54] En una situación a la que Lewisohn destaca como sin precedentes en la carrera discográfica de The Beatles, Harrison y Starr optaron por distanciarse parcialmente del proyecto,[49] volando a California el 7 de junio para que Harrison pudiera filmar sus escenas para el documental Raga de Ravi Shankar.[55] La participación de Lennon, McCartney y Harrison en proyectos musicales individuales durante todo el año de 1968 fue una prueba más de la fragmentación del grupo.[56] En el caso de Lennon, la portada de su colaboración experimental con Ono, Two Virgins, contó con la pareja totalmente desnuda — un gesto que sus compañeros de banda encontraron desconcertante e innecesario.[57]

El 20 de agosto, Lennon y Starr, que trabajaban en los overdubs de «Yer Blues» en el estudio 3, visitaron a McCartney que se encontraba en el estudio 2, donde elaboraba «Mother Nature's Son». La sensación positiva de la sesión desapareció inmediatamente, y el ingeniero Ken Scott afirmaría más tarde: «podías cortar la atmósfera con un cuchillo».[50] El 22 de agosto, durante la sesión de «Back in the USSR», Starr abandonó abruptamente el estudio,[58] sintiendo que su papel en el grupo era insignificante en comparación con los otros miembros, y estaba molesto por las críticas constantes de McCartney por su manera de tocar la batería en la pista.[59][60] Personal que trabajaba en los estudios comentaría después que con frecuencia Starr se presentaba a las sesiones y se sentaba a esperar en el área de recepción a que los demás llegaran.[61] En su ausencia, McCartney tocó la batería en «Dear Prudence». Lewisohn también comenta que, en el caso de «Back in the USSR», cada uno de los tres Beatles restantes hicieron contribuciones en el bajo y la batería, con el resultado de que esas partes pueden estar compuestas por pistas tocadas por Lennon, McCartney y/o Harrison.[61]

Lennon, McCartney y Harrison rogaron a Starr que volviera. Estuvo de acuerdo, y a su regreso el 5 de septiembre, recibió un gesto de bienvenida por parte de Harrison que había decorado su batería con flores rojas, blancas y azules.[62] McCartney describió las sesiones de The Beatles como un punto de inflexión para el grupo, diciendo que «hubo mucha fricción durante ese álbum. Estábamos a punto de romper, y eso era tenso en sí mismo»,[63] por su parte, Lennon diría más tarde que «la ruptura de The Beatles se puede escuchar en ese álbum».[64] De las 30 canciones del álbum, sólo en 16 trabajaron de manera conjunta los cuatro miembros.[nota 4]

McCartney escribió «Back in the U.S.S.R.» como una parodia surrealista de la canción de Chuck Berry «Back in the U.S.A.»[44] La grabación de un sonido de avión despegando y aterrizando fue utilizada en el inicio de la pista, y de forma intermitente a lo largo de ella, mientras que los coros fueron cantados por Lennon y Harrison al estilo de The Beach Boys[61] a petición de Mike Love, que había acompañado al grupo a la India.[81] La pista entró extensamente de contrabando a la Unión Soviética y se convirtió en un éxito no reconocido.[44] Posteriormente McCartney grabaría un álbum de versiones, Снова в СССР, basado en una transliteración de la versión en ruso del título.[82]

«Dear Prudence» fue una de las canciones grabadas en Trident. El estilo es típico de las canciones acústicas escritas en Rishikesh, con el uso de arpegios de guitarra. Lennon escribió la pista sobre la hermana de Mia Farrow, Prudence, que rara vez salía de su habitación durante el retiro espiritual debido a su compromiso con la meditación.[83]

«Glass Onion» fue la primera pista musical que se grabó con la banda completa desde la breve salida de Starr. MacDonald afirma que Lennon escribió deliberadamente la letra para mofarse de los fanes que afirmaban encontrar «mensajes ocultos» en las canciones, y se remite a otras canciones del catálogo de The Beatles — «La morsa [Walrus] era Paul» hace referencia a «I Am The Walrus» (que a su vez tiene una referencia a «Lucy in the Sky with Diamonds»).[84] McCartney, a su vez, sobrepuso una parte de flauta después de la línea «te hablé sobre el Loco de la Colina [Fool on the Hill]», como una parodia deliberada de su antigua canción.[85] Una sección de cuerdas fue añadida a la pista en octubre.[85]

«Ob-La-Di, Ob-La-Da» fue escrita por McCartney como un pastiche de la música ska. La pista tomó una sorprendente cantidad de tiempo para ser completada, con McCartney exigiendo una perfección que molestó a sus compañeros.[87] Jimmy Scott, un amigo de McCartney, sugirió el título y tocó los bongos en la primera toma. Exigió parte de la autoría cuando la canción fue publicada, pero la composición fue acreditada a «Lennon-McCartney».[88] Después de trabajar durante tres días en la pista musical, la obra fue desechada y reemplazada con una nueva grabación.[86] Lennon odiaba la canción, que calificaba de «música basura para abuelitas»,[89] mientras que el ingeniero Richard Lush recordó que a Starr le desagradaba tener que grabar la misma base musical repetitivamente, e identifica esta sesión como un indicador clave de que The Beatles iban a separarse.[86] McCartney intentó rehacer la pista musical por tercera ocasión, pero esta idea fue abandonada después de unas pocas tomas y la segunda versión fue utilizada para la mezcla final.[86] El grupo, con excepción de McCartney, había perdido interés por el tema al final de la grabación, y se negó a lanzarlo como sencillo. The Marmalade grabó una versión que se convirtió en un éxito número uno.[88] En 2004, una encuesta en línea elaborada por Mars clasificó a la canción como la peor de todas.[90]

McCartney grabó «Wild Honey Pie» el 20 de agosto al final de la sesión de «Mother Nature's Son». Es un ejemplo típico de los breves fragmentos de canciones que grababa entre tomas durante las sesiones del álbum.[44]

«The Continuing Story of Bungalow Bill» fue escrita por Lennon después de que un visitante estadounidense dejó Rishikesh por unas semanas para cazar tigres.[91] Fue grabado como un ejercicio improvisado de audio, con interpretaciones vocales de casi todos los que se encontraban en el estudio en ese momento. Ono canta una línea completa y es acompañante de voz en otras, mientras que Chris Thomas tocó el mellotron, incluyendo las improvisaciones al final de la pista.[92]

«While My Guitar Gently Weeps» fue escrita por Harrison durante una visita que hizo a la casa de sus padres en Cheshire.[93] En un principio grabó la canción solo y con una guitarra acústica, el 25 de julio — una versión que permaneció inédita hasta Anthology 3.[94] Él no estaba contento con el primer intento que había hecho el grupo para la grabación de la pista, por lo que invitó a su amigo Eric Clapton para que fuera y tocara en él. Clapton estaba inseguro acerca de ser invitado en una grabación de The Beatles, pero Harrison dijo que la decisión «no tiene nada que ver con ellos. Es mi canción.»[95] El solo de guitarra de Clapton fue tratado con la técnica automatic double tracking[nota 5] para obtener el efecto deseado; Clapton regalaría a Harrison la guitarra con que había tocado, a la que éste llamó más tarde «Lucy».[96][nota 6]

«Happiness is a Warm Gun» evolucionó a partir de fragmentos de canciones que Lennon escribió en Rishikesh. Según MacDonald, este método de trabajo se inspiró en las composiciones de Incredible String Band.[98] La pista musical base necesitó 95 tomas, debido a los irregulares tiempos de las signaturas y variaciones de estilo a lo largo de la canción. La versión final consistió en las mejores mitades de dos tomas que se editaron juntas.[99] Lennon más tarde describió la canción como una de sus favoritas,[100] mientras que el resto de la banda encontró la grabación como rejuvenecedora, ya que los obligó a re-afilar sus habilidades como un grupo tocando juntos para hacer las cosas bien.[101] El encargado de prensa de Apple, Derek Taylor, hizo una contribución sin acreditar a la letra de la canción.[102]

McCartney concibió el título de «Martha My Dear» inspirado en su perra ovejera, pero la letra de la canción no guarda ninguna relación.[103] La pista es tocada enteramente por él respaldado por músicos de sesión, y ningún otro Beatle colaboró en el tema. Martin compuso un arreglo de metales para la pista.[104]

«I'm So Tired» fue escrita en la India cuando Lennon tenía dificultades para dormir.[105] Fue grabada en la misma sesión de «The Continuing Story of Bungalow Bill».[92] Las letras hacen referencia a Walter Raleigh, llamándolo un «estúpido bastardo [stupid get]» por introducir el tabaco en Europa;[nota 7] mientras que la pista termina con Lennon balbuceando «Monsieur, monsieur, how about another one? [Señor, señor, ¿qué hay acerca de otro?]»[92] Esto se convirtió en parte de la teoría conspirativa de Paul está muerto, cuando aficionados afirmaban que al reproducir la pista al revés podía oírse «Paul is dead man, miss him miss him [Paul está muerto, lo extraño lo extraño]».[62]

«Blackbird» es interpretada por McCartney en solitario, acompañado únicamente de su guitarra acústica. De acuerdo con Lewisohn, el sonido que se oye al fondo de la pista se trata de un metrónomo,[49] aunque Emerick señala que capturó el sonido a través de un micrófono colocado a lado de los zapatos de McCartney.[107] MacDonald lo considera al tema con la mejor interpretación acústica del álbum.[45] El canto de pájaros de la pista fue tomado de la colección de efectos de sonido de Abbey Road, y fue grabado en una de las primeras grabadoras portátiles de EMI.[49]

Harrison escribió «Piggies» como una crítica a la codicia y materialismo de la sociedad moderna.[108] La madre de Harrison y Lennon le ayudaron a completar la letra.[109] Thomas tocó el clavicordio en la pista, mientras que Lennon aportó la cinta con el sonido de los cerdos gruñendo.[110] Junto con «Helter Skelter», este fue uno de los temas clave que Charles Manson interpretó como una incitación al asesinato masivo.[109]

«Rocky Raccoon» evolucionó a partir de una jam session entre Lennon y Donovan en Rishikesh. La canción fue grabada en una sola sesión, y fue una de las pistas que Martin consideraba «relleno» y que sólo se incluyeron porque el álbum sería doble.[111]

«Don't Pass Me By» fue la primera composición en solitario de Starr para la banda,[112] que llevaba tiempo jugando con la idea de escribir una canción de carácter autorreflexivo, posiblemente desde 1963.[113] Se trabajó bajo los títulos «Ringo's Tune» y «This Is Some Friendly». La pista musical base consistió en Starr tocando la batería mientras McCartney tocaba el piano.[114] Martin compuso una introducción orquestal de la canción, pero fue rechazada por ser «demasiado extraña» y quedó fuera del álbum.[112] En su lugar, Jack Fallon tocó el violín al estilo bluegrass.[115]

«Why Don't We Do It in the Road?» fue escrita por McCartney en la India después de observar a dos monos copulando en la calle y se preguntó por qué los humanos eran demasiado civilizados para hacer lo mismo.[116] Él tocó todos los instrumentos a excepción las percusiones, las cuales fueron aportadas por Starr. La letra simple de la canción estaba muy acorde al estilo de Lennon, y Lennon estaba molesto por no haber sido solicitado para tocar en ella. McCartney indicó que era un «ojo por ojo», ya que no había contribuido en «Revolution 9».[117]

«I Will» fue escrita y cantada por McCartney, con Lennon y Starr acompañándole en las percusiones.[47] A la mitad de numerosas tomas, los tres Beatles interrumpían para interpretar algunas otras canciones. Un fragmento de una de esas canciones conocido como «Can You Take Me Back?» fue puesto entre «Cry Baby Cry» y «Revolution 9»,[85] mientras que las interpretaciones del éxito de Cilla Black «Step Inside Love» y del número «Los Paranoias», fueron publicadas en Anthology 3.[118]

«Julia» fue el último tema en ser grabado para el álbum y cuenta con la única presencia de Lennon tocando la guitarra acústica en un estilo similar al de McCartney en «Blackbird».[46] Esta es la única canción de The Beatles en la que Lennon trabaja de manera individual[119] y fue un tributo a su difunta madre Julia Lennon, quien murió en 1958 en un accidente vial cuando Lennon tenía sólo diecisiete años, y la canción habla sobre la pérdida de su madre y su relación con Ono, la «niña del océano [ocean child]» mencionada en la letra.[46] Ono ayudó con la letra, pero la canción fue acreditada a Lennon-McCartney como era de esperarse.[120]

De acuerdo con McCartney, la composición de «Birthday» fue «50-50 John y mía, compuesta al momento y grabada totalmente en la misma tarde».[121] La canción surgió después de que ambos vieran la primera proyección en el Reino Unido de la película de rock-n-roll The Girl Can not Help It en televisión, y cantaron la voz principal al estilo de la estrella musical de la película, Little Richard.[122] Después de que el grupo grabó la pista musical, se añadieron los coros de Ono y la esposa de Harrison, Pattie.[99]

«Yer Blues» fue escrita por Lennon en la India. A pesar de la meditación y el ambiente tranquilo, todavía se sentía infeliz, situación que se refleja en la letra.[123] El estilo fue influenciado por el boom del blues británico de 1968, que incluía a grupos como Fleetwood Mac y Chicken Shack.[124] La pista musical fue grabada en una pequeña habitación al lado del estudio 2 de EMI. Inusual para una grabación de The Beatles, la cinta grabada en cuatro pistas fue editada directamente, lo que resulta en un corte abrupto al minuto 3:17 que da inicio a otra toma (cuyo contenido sonoro se va fundiendo).[125] La canción fue una de las pocas canciones de la banda que Lennon interpretó en vivo después de su separación. Su primera presentación fue con un supergrupo conformado por Clapton, Keith Richards y Mitch Mitchell el 11 de diciembre de 1968 en The Rolling Stones Rock and Roll Circus, y más tarde se haría con la Plastic Ono Band el 13 de septiembre de 1969 (incluida en el álbum en vivo Live Peace in Toronto).[124]

«Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey» y «Sexy Sadie» fueron escritas inspiradas en el Maharishi Mahesh Yogi.

McCartney escribió «Mother Nature's Son» en la India, y trabajó en ella sin la colaboración de los otros miembros de la banda. La pista fue elaborada solo por él junto con un arreglo de metales elaborado por Martin.[48]

«Everybody's Got Something to Hide Except Me and My Monkey» evolucionó a partir de una sesión de improvisación, y originalmente carecía de título. La mezcla final quedó acelerada al hacer correr la cinta a 43 Hz en lugar de los habituales 50.[27] Harrison aseguró que el título tiene su origen de uno de los dichos del Maharishi (al que se le añadiría «and my monkey» ).[126]

«Sexy Sadie» fue escrita como «Maharishi» por Lennon, poco después de que decidió abandonar Rishikesh.[127] En una entrevista de 1980, Lennon reconoció que el Maharishi fue la inspiración para la canción: «Yo sólo le llamaba 'Sexy Sadie'.»[128]

«Helter Skelter» fue escrita por McCartney e inicialmente se grabó como un blues en julio. Las primeras tomas se realizaron con la banda tocando al mismo tiempo e incluía largos pedazos en los que el grupo improvisaba con sus instrumentos.[52] Debido a que estas tomas eran demasiado largas para encajar en un LP, la canción fue dejado de lado hasta septiembre, cuando se realizó una versión más corta. Por todos los lados, la sesión fue caótica, pero nadie se atrevió a decirle a cualquiera de los Beatles que estaban fuera de control. Según testigos, Harrison corría alrededor del estudio mientras sostenía un cenicero en llamas por encima de su cabeza, «haciéndolo a la Arthur Brown».[129] La versión estéreo del LP incluye casi un minuto más de música en comparación con la mono, que culmina con Starr gritando de manera infame «I've got blisters on my fingers! (¡tengo ampollas en mis dedos!)».[129] Según MacDonald, Charles Manson ignoraba que «Helter Skelter» es el nombre británico para los toboganes en espiral que se encuentran en jardines o parques de atracciones, y asumió que la pista tenía algo que ver con el infierno. Este fue uno de los temas clave que llevaron a Manson creer que el álbum tenía mensajes codificados referentes a la guerra apocalíptica, y lideró su movimiento del mismo nombre.[127]

La última canción de la cara tres es «Long, Long, Long» de Harrison. Su estructura está basada en la canción de Dylan «Sad-Eyed Lady of the Lowlands». La sesión de grabación para la pista fue una de las más largas jamás realizadas por The Beatles, que fue desde la tarde del 7 de octubre, toda la madrugada hasta las 7 a. m. del día siguiente, y luego se completó en una sesión adicional nueve horas más tarde. McCartney tocó el órgano Hammond en la pista, y el efecto al final fue hecho por una nota en particular del instrumento que causaba la vibración de una botella de vino que estaba en la parte superior del altavoz Leslie del órgano.[105]

«Revolution 1» fue la primera canción grabada para el álbum, comenzando las sesiones para la pista musical el 30 de mayo.[26] Las primeras tomas se grabaron con la intención de que fuera un posible sencillo, pero conforme avanzaba la sesión, los arreglos se hacían más lentos, con lapsos más tranquilos. El grupo terminó la toma elegida con una improvisación de seis minutos a la que se le añadieron overdubs, antes de que esta que fuera eliminada en la edición final del álbum. Los arreglos de metal se añadieron más tarde.[130]

«Honey Pie» fue escrita por McCartney como un pastiche del estilo flapper de los años 1920. La primera parte de la pista (la cual fue sobrepuesta) suena como si se tratara la grabación de un viejo disco de 78 RPM,[131] por otra parte, Martin realizó los arreglos de saxofón y clarinete en el mismo estilo. Lennon tocó el solo de guitarra en la pista, pero más tarde dijo que odiaba la canción, calificándola de ir «más allá de la redención».[132][nota 8]

«Savoy Truffle» lleva el nombre de uno de los tipos de chocolate que se encontraba en las cajas de dulces Mackintosh's, los cuales Clapton disfrutaba comer. La pista contó con un sexteto de saxofón organizado por Thomas, quien también tocó los instrumentos de teclado.[132] Harrison dijo más tarde que Derek Taylor le ayudó a terminar la letra.[133]

Lennon comenzó a escribir «Cry, Baby, Cry» a finales de 1967 y parte de la letra tiene su origen en el eslogan de un viejo anuncio de televisión. Martin tocó el armonio en la pista.[134]

«Revolution 9» evolucionó a partir de los overdubs del coda de «Revolution 1». Lennon, Harrison y Ono añadieron collages de cinta y extractos de palabras grabadas, al estilo de Karlheinz Stockhausen. La pista se abre con el extracto de un examen de la Royal Schools of Music, y termina con la fría frase de Ono, «you become naked».[135] Ono estuvo muy involucrada en la producción y aconsejó a Lennon que bucles de cinta usar.[136] McCartney no contribuyó en la pista, y se opuso a que el tema fuera incluido, aunque con anterioridad había propuesto y realizado experimentos con cintas similares, como «Carnival of Light» en enero de 1967.[137] El tema ha atraído tanto el interés como la desaprobación de los fanes y los críticos musicales a lo largo de los años.[138]

«Good Night» era una canción de cuna escrita por Lennon para su hijo Julian, y específicamente quería que Starr la cantara. Las primeras tomas consistían simplemente en Lennon tocando la guitarra acústica y Starr cantando.[27] Martin dirigió un arreglo orquestal y coral que sustituyó a la guitarra en la mezcla final, y también tocó la celesta.[87]

«Hey Jude» fue grabada a finales de julio de 1968 durante las sesiones de The Beatles, pero fue publicada por separado como un sencillo casi tres meses antes del lanzamiento del álbum.[139] (sin embargo, dos años más tarde formaría parte de un LP en los EE. UU. en el álbum recopilatorio homónimo) El lado B, «Revolution», era una versión diferente de la «Revolution 1» aparecida en el álbum. Lennon había querido que la versión original de «Revolution» fuera lanzada como sencillo, pero los otros tres Beatles se opusieron con el argumento de que era demasiado lenta. En cambio, el sencillo contó con una nueva versión, más rápida, con la guitarra muy distorsionada y un solo de piano eléctrico de Nicky Hopkins.[88] Este fue el primer lanzamiento en Apple Records y pasó a ser el sencillo más exitoso de la banda, con ventas mundiales de más de 5 millones a finales de 1968 y 7,5 millones en octubre de 1972.[140]

El convenio con las compañías discográficas en la década de 1960 era que sencillos y álbumes eran entidades distintas y no debían contener las mismas canciones.[141][nota 9] Sin embargo, aunque ningún sencillo se desprendió de The Beatles tanto en el Reino Unido como en Estados Unidos, «Ob-La-Di, Ob-La-Da» respaldada con «While My Guitar Gently Weeps», fue un éxito comercial en varios países, entre ellos Australia (donde pasó cinco semanas en el número uno de las listas Go Set),[143] Japón,[144] Austria,[145] y Suiza.[146]

Algunas canciones que los cuatro Beatles llegaron a trabajar de forma individual durante este período fueron retomadas para formar parte de álbumes posteriores del grupo, mientras que otras fueron lanzadas en álbumes en solitario de los miembros de la banda. De acuerdo con el bootleg de los demos hechos en Kinfauns, dentro de la última de estas dos categorías se incluyen los temas de Lennon «Look at Me»[147] y «Child of Nature» (que se transformaría en «Jealous Guy»);[148] «Junk» de McCartney;[148] y los temas «Not Guilty» y «Circles» de Harrison.[148] Además, Harrison dio «Sour Milk Sea» al cantante Jackie Lomax, cuya grabación, producida por Harrison, fue lanzada en agosto de 1968 como parte del sencillo debut de Lomax en Apple Records.[149] «Mean Mr. Mustard» y «Polythene Pam» de Lennon se utilizarían para el medley de Abbey Road el año siguiente.[35]

La composición de Lennon «What's the New Mary Jane» se demostró en Kinfauns[150] y se grabó formalmente (por Lennon, Harrison y Ono) durante las sesiones del álbum.[111] En los estudios, McCartney grabó demos de dos composiciones —«Etcetera»[50] y «The Long and Winding Road»— siendo esta última grabada en 1969 para su álbum Let It Be.[151] Las versiones del White Album de «Not Guilty» y «What's the New Mary Jane», junto con el demo de «Junk», fueron publicadas hasta 1996 en Anthology 3.[152]

«Revolution (Take 20)», una grabación inédita, apareció en 2009 en un bootleg. Esta toma de diez minutos fue la pista base para la creación de dos temas diferentes: «Revolution 1» y la experimental «Revolution 9».[153]

En 2018 el álbum fue remezclado en su totalidad, tal como sucedió con Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en 2017, y el 9 de noviembre ha sido relanzado en una edición de siete discos que incluirá material audiovisual inédito, como tomas descartadas de las sesiones de grabación y los primeros demos,[154] que fueron grabadas en formato acústico por la banda en la casa de George Harrison en Esher.[155]

The Beatles fue el último álbum de la banda en ser mezclado por separado en sus versiones estéreo y mono,[161] aunque la versión mono solamente se publicó en el Reino Unido y algunos otros países. Todas menos una pista existen en mezclas mono oficiales; la excepción es «Revolution 9», que fue una reducción directa del máster en estéreo.[50] The Beatles no habían estado particularmente interesados en el sonido estéreo hasta este álbum, pero después de recibir el correo de los fanes afirmando que compraban tanto las mezclas estéreo como las mono de sus álbumes anteriores, decidieron hacer las dos diferentes.[162] Varias pistas tienen diferentes duraciones según la mezcla; la edición mono de «Helter Skelter» elimina el fade-in al final de la canción (y el grito de Starr),[129] y el fade-out de «Yer Blues» es 11 segundos más largo en la mezcla mono.[163]

Detalle de la funda original del White Album. Las primeras ediciones traían el nombre del grupo en relieve, en vez de impreso, y también un número de serie en la portada.

En los Estados Unidos, las grabaciones mono habían ido desapareciendo gradualmente; el estreno estadounidense de The Beatles fue el primer LP de The Beatles publicado sólo en estéreo.[164] En el Reino Unido, el siguiente álbum, Yellow Submarine, sería el último en ser editado en mono.[165] La versión mono de The Beatles se puso a disposición de todo el mundo el 9 de septiembre de 2009, como parte de la caja recopilatoria The Beatles in Mono.[166]

La funda del álbum fue diseñada por el artista pop Richard Hamilton,[156] en colaboración con McCartney.[167] El diseño de Hamilton era un claro contraste de la vívida portada que Peter Blake había creado para Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, y consistió en una sencilla funda blanca. El nombre de la banda fue discretamente grabado en relieve ligeramente por debajo de la mitad del lado derecho del álbum, y la cubierta también contó con la impresión de un número de serie único, «para crear», en palabras de Hamilton, «la irónica situación de una edición numerada de algo con cinco millones de copias.»[168] En 2008, una funda original del álbum, con número de serie 0000005 se vendió por 19 201 libras esterlinas en eBay.[169] En 2015, una copia personal de Ringo Starr con el número 0000001 fue vendida en una subasta, a un precio récord de 790 000 dólares.[170]