The Wall (film)

Sentant sa personnalité défaillir, Pink, une star du rock, se fabrique un mur protecteur derrière lequel il croit d'abord trouver refuge. Mais ce mur finit par l'étouffer et le pousse, seul et malheureux, jusqu'aux portes de la folie. Il passe alors en revue les éléments importants de sa vie ; la mort de son père à la guerre, sa mère trop protectrice et castratrice, les brimades de professeurs, puis l'échec de son mariage et la plongée dans la drogue, autant de briques dans le mur (Another Brick in the Wall), ou d'éléments qui en ont comblé les interstices (Empty Spaces). Cet examen de conscience le mène jusqu'à son autoprocès (The Trial).

Un des masques portés par les élèves dans les scènes de classe, vu lors de l'exposition Pink Floyd: Their Mortal Remains.

• Titre : Pink Floyd: The Wall
• Réalisation : Alan Parker
• Animations : Gerald Scarfe
• Scénario : Roger Waters
• Musique : Bob Ezrin, Pink Floyd (David Gilmour, Nick Mason, Roger Waters et Richard Wright) et Michael Kamen
• Producteur : Alan Marshall
• Photographie : Peter Biziou
• Montage : Gerry Hambling
• Budget : 22 244 207 USD
• Pays d'origine : Royaume-Uni
• Format : Cinémascope 2.35:1, 35 mm (couleurs, son Dolby)
• Genre : drame musical
• Durée : 95 minutes
• Dates de sortie[1] :
  • France : 23 mai 1982 (Festival de Cannes 1982)
  • France, Royaume-Uni : 14 juillet 1982
  • États-Unis : 13 août 1982

• Bob Geldof : Pink
• Christine Hargreaves : la mère de Pink
• James Laurenson : le père de Pink
• Eleanor David : la femme de Pink
• Kevin McKeon : Pink enfant
• Bob Hoskins : impresario
• David Bingham : Pink petit
• Jenny Wright : groupie américaine
• Alex McAvoy : professeur
• Ellis Dale : médecin anglais
• James Hazeldine : amant
• Marjorie Mason : la femme du professeur
• Robert Bridges : médecin américain
• Michael Ensign : gérant de l'hôtel
• Albert Moses : concierge

The Wall n'est pas un film classique dans sa réalisation. Le montage n'est pas linéaire mais suit le trajet mental de Pink. Les scènes du passé de Pink, tournées avec des acteurs, alternent avec des dessins animés réalisés par Gerald Scarfe. Le film oscille ainsi entre les souvenirs d'enfance idéalisés malgré l'absence du père, le sentiment de la profonde médiocrité du monde des adultes, et la fuite en avant dans le rock, le sexe, la violence et la drogue. Trois étapes d'une vie qui s'emballe et finit par coincer Pink derrière un mur, métaphore des troubles mentaux du héros dont il ne parvient pas à sortir seul.

Certains voient dans cette œuvre un hommage de Roger Waters à Syd Barrett, ancien membre du groupe, même si cette hypothèse est peu probable. Le film paraît en effet plus être parti des problèmes relationnels de Roger Waters avec le public, et être devenu très autobiographique.

Quelques citations allant dans ce sens :

« Peut-être que l'entraînement à voir les choses d'un point de vue architectural m'a aidé à visualiser mes sentiments d'aliénation par rapport au public rock. Ceci fut le point de départ pour The Wall. Le fait qu'il incarna par la suite un récit auto-biographique était d'un certain point de vue secondaire par rapport au gros de la chose qui fut un constat, très théâtral, disant : « Tout ça n'est pas merdique ? Je suis là sur scène pendant que vous êtes tous là en bas et c'est pas horrible ? Qu'est-ce qu'on est en train de foutre là ? » »

— Roger Waters, juin 1987.^{[réf. nécessaire]}

« Je n'adhère pas totalement au concept de The Wall. Selon moi c'est un véritable catalogue de plaintes et je ne veux faire des reproches à propos de ma vie qu'à moi-même... Il y a des choses super sur cet album. C'est je pense ce qu'il y a de génial avec la musique : vous pouvez avoir des paroles sombres et négatives sur une instrumentale valorisante. Cela se juxtapose et vous donne un bon sentiment final de la chose. Je pense que le film est devenu trop noir et négatif. Comme j'ai dit, je ne me retrouve pas vraiment dans tout ce que Roger dit dedans. Je pense que certaines parties sont très bonnes et d'autres beaucoup trop négatives pour moi. »

— David Gilmour, Radio Américaine, mai 1992.

« Et mon point de vue sur The Wall en particulier est plus nuancé aujourd'hui qu'à l'époque. Je le vois aujourd'hui comme une liste de gens que Roger blâme pour ses propres ratés dans sa vie, une liste de « vous m'avez baisé comme-ci, vous m'avez baisé comme ça. » »

— David Gilmour, Guitar World, février 1993.

Le symbole attribué à la folie politique de Pink, les deux marteaux croisés, sont exploités de façon étrangement ressemblante à 1984 (Nineteen Eighty-Four, George Orwell). En effet, lorsque les spectateurs du show acclament Pink et montrent leur ralliement, ils croisent les bras devant eux, retournés, les poings fermés, ce qui fait penser au même geste de ralliement à Big Brother dans l'œuvre d'Orwell (que l'on voit également dans l'adaptation datant de 1984 lors de la longue scène d'introduction). Ce clin d'œil n'est pas anodin, 1984, tout comme ce film, a parmi ses thèmes centraux l'aliénation des foules.

Fondé sur l'album et la tournée, le film musical en reprend bien évidemment l'essentiel. Néanmoins, de nombreuses modifications ont été apportées[2] :

• Certains titres ont été réenregistrés : Mother et Is There Anybody Out There? ; les deux In the Flesh et In the Flesh?, de plus réinterprétés par Bob Geldof qui ânonne aussi Stop ; à Bring the Boys Back Home fut adjoint un chant choral. Ces quatre chansons sont par ailleurs diégétiques, les personnages « chantant » eux-mêmes les paroles[3]. Outside the Wall est, lui, allongé pour illustrer le générique de fin, avec l'ajout de chœur et orchestre.
• Hey You, pourtant en un premier temps filmé et monté, puis écarté par Waters, et The Show Must Go On ne sont pas présents dans le film.
• En plus de la chanson de Vera Lynn The Little Boy that Santa Claus Forgot, une nouvelle chanson de Pink Floyd est ajoutée : When the Tigers Broke Free fut enregistré par Roger Waters seul, avec chœur et orchestre. What Shall We Do Now?, écarté du disque, prolonge Empty Spaces dans le film.

Les autres chansons ont été remixées à des degrés divers, le mixage final du film, en Dolby 70 mm, ayant été particulièrement soigné[3]. Run Like Hell et Another Brick in the Wall, Part 2, en particulier, furent remontés et raccourcis.

Les rares dialogues du film sont, à quelques exceptions près (reproches du professeur, jardin d'enfants, scène du train), déjà présents dans l'album. D'autres effets ont été remplacés, comme la télévision diffusant The Dam Busters (Les Briseurs de Barrages, film de 1955, et non plus La Bataille d'Angleterre comme dans l'album), analogie limpide au « tear down the wall » (The Trial).

Le film est une peinture méticuleuse de la schizophrénie et s'attache à montrer comment Pink y tombe peu à peu. Chaque brique du mur peut ainsi être vue comme un élément contribuant à la construction de la conscience paradoxale du Soi. L'élément dominant est évidemment un père absent mais aussi une mère surprotectrice, comme cela est explicitement montré dans The Trial où ses bras se transforment en un mur enfermant Pink, ou encore dans Mother. Cependant, dans cette dernière séquence, c'est surtout l'anhédonie caractéristique qui subit un traitement particulier (One of My Turns) en contraste avec la réminiscence d'expériences intenses et émouvantes du passé. Sur Young Lust, Pink évoque les moyens qu'il met en œuvre pour ranimer la flamme.

La réification de l'esprit et du savoir, principal biais de la société de consommation, des médias et de l'enseignement de masse traditionnels, y est par moment symbolisée par une sorte de masque uniforme recouvrant les faces des personnages, comme dans Another Brick in the Wall (part. 2) sur les élèves ou encore dans Run Like Hell sur le public. On peut donc y voir deux critiques, celle de l'école, machine à fabriquer par réaction des schizophrènes (scène de violente révolte à mettre en parallèle avec les crises de Pink), les autres élèves, soumis, passant tous sur un tapis roulant industriel pour finir en une masse homogène et uniforme. L'autre critique, classique, porte sur le rapport entre le public, l'artiste et son œuvre. L'attitude suiveuse et fanatique du public vis-à-vis de leur folle idole y est dépeinte par une référence très marquée au nazisme (les marteaux croisés et la gestuelle de la foule font fortement penser à la croix gammée du mouvement nazi et au salut hitlérien).

La force de ce film tient au fait que la schizophrénie y est vue par le malade, en focalisation interne. L'effroi naît de cette entrée dans le monde que se crée Pink et dans lequel on l'enferme, monde dont on ne le sort que pour être exploité. C'est sur Comfortably Numb que l'on comprend le long processus de déréalisation qui a progressivement poussé Pink dans un état déficitaire avant qu'il ne connaisse ses premières crises. L'élément déclencheur dans son enfance aurait été la mort d'un rat qu'il avait sauvé et soigné, l'incompréhension d'avoir été triplement puni pour cela (fièvre, réprimandes du médecin et de sa mère, mort du petit animal), bref, pour avoir connu des « sentiments presque humains » (le cynique et kafkaïen The Trial). Le plus traumatisant restant un désespéré appel nocturne en PCV à sa femme, farouche volonté d'un réamorçage de la communication qui n'aboutit qu'au décrochage du combiné par l'amant de celle-ci (repiquage de la fin de la version audio de Young Lust saisissant de vérité puisque, anecdote, c'est l'enregistrement d'un vrai appel d'une opératrice non informée qui essaie de gérer la situation).

Sans être encore le réalisateur prévu (Ridley Scott fut aussi envisagé, selon Scarfe[3]), Alan Parker travailla avec Waters et Scarfe dès avril 1981. Il était alors prévu que des scènes live de la tournée soient insérées au film[3]^,[4]. Le tournage du film débuta le 7 septembre 1981 dans une demeure conservant son mobilier des années cinquante. Les scènes d'extérieur, comme celles de la bataille d'Anzio, furent tournées dans le Somerset, et celles du meeting dans le Royal Horticultural Hall, à Westminster[5]^,[3]. Il y eut soixante et un jours de tournage, comprenant soixante heures de rushes en quatre mille huit cent quatre-vingt-cinq prises pour cent sept mille mètres de bobines. Dix mille dessins furent réalisés pour le quart d'heure total d'animation dans le film, dont certains (notamment pour The Trial) l'avaient été pour la tournée The Wall Tour. Le montage dura huit mois[3].

On peut apercevoir lors des scènes correspondant aux chansons In The Flesh et Run Like Hell, que le public ainsi que la garde rapprochée de Pink sont composés en grande partie de skinheads. En effet, pour les besoins de son film, Alan Parker fit appel à l'une des plus grandes bandes de skinheads anglaises de l'époque, à savoir celle de la ville côtière de Tillbury, comptant près de deux cents membres. Dans une interview visible dans les bonus du DVD de l'édition française du film, Parker expliquait que le tournage de ces scènes fut difficile en raison de l'indiscipline des skins ainsi que de leur brutalité indécrottable lors des scènes de bagarres (les skins, toujours d'après Parker, auraient été incapables de simuler les coups et ne pouvaient s'empêcher de frapper violemment)[3]^,[6].

Par ailleurs, Roger Waters a déjà affirmé que le concept de The Wall a pris forme dans son esprit après un concert de Pink Floyd au stade olympique de Montréal en 1977 pendant la tournée Animals alors qu'il avait entre autres insulté et craché sur des fans trop enthousiastes. On peut aussi penser qu'il fut impressionné par le stade lui-même, puisque l'amphithéâtre où se déroule le jugement (The Trial) dans le film, de même que les dessins de la pochette intérieure de l'album, rappellent bien le stade olympique tel qu'il était en 1977, c'est-à-dire avec sa célèbre tour inclinée encore inachevée (l'amphithéâtre du film et de l'album comptent plusieurs de ces « tours inachevées »)[7].

Juste avant le début de la chanson Another Brick in the Wall Part 2, on voit le professeur se moquer du héros en lisant devant toute la classe la phrase suivante, extraite d’un poème que Pink était en train d’écrire : « Money get back / I'm all right Jack / Keep your hands off my stack ». Il s’agit en fait des paroles du quatrième couplet de la chanson Money, de l'album The Dark Side of the Moon de Pink Floyd sorti en 1973. Le clin d’œil est dû à Alan Parker, Waters n'ayant que peu apprécié[3]. C'est une des rares traces d'humour du film, avec la représentation du procureur.

Paradoxalement, Waters a tout d'abord reproché au film que « le rire y est absent »[3]. Plus généralement, il s'est déclaré déçu du résultat :

« ... quand j'ai vu les treize bobines assemblées les unes aux autres, j'ai eu le sentiment qu'il manquait une vraie dynamique. C'est comme s'il commençait à vous frapper en pleine tête dès les dix premières minutes, et que ça continuait jusqu'à la fin, sans laisser un seul moment de répit [...] Ce personnage de Pink ne m'intéressait pas, je ne ressentais aucune empathie pour lui... [...] et si je vais au cinéma et qu'aucun des personnages ne parvient à m'intéresser, alors il s'agit d'un mauvais film. »

— Roger Waters, in Nicolas Schafner, A saucerful of secrets. The Pink Floyd odyssey. Helter Skelter, 2005

Roger Waters semble avoir un caméo dans le film : on aperçoit à côté de la mariée, à droite sur l'image, à 32 min 20 s un homme ressemblant fort à Roger Waters. Cependant, quelques secondes plus tard, dans le plan suivant, à 32 min 25, la ressemblance est moins évidente. Le générique crédite Wedding Witnesses: Joanna Andrews, Diana King, Roger Kemp [8].