Architecture japonaise

L'« essence » de l'architecture japonaise ((en) japaneseness) est l'objet de débats sans fin depuis 1955. Pour les uns, c'est l'architecture de style shinden-zukuri, influencée par l'architecture chinoise, aux planchers surélevés et aux espaces libres, correspondant à l'architecture palatiale de l'époque de Heian. Pour les autres, c'est le style minka avec ses types bien distincts les uns des autres, qui se développe au niveau du sol, au contact de la terre, et dont la couverture repose sur de puissantes structures, poteaux et poutres, avec de vastes toits, l'architecture des habitations populaires traditionnelles[1].

Le bois est très présent dans l'architecture traditionnelle japonaise car il était efficace pour la résistance aux typhons et aux tremblements de terre. Le climat japonais étant humide, en particulier l'été, les planchers des bâtiments sont souvent surélevés et les espaces sont très ouverts pour assurer une bonne ventilation et prévenir l'apparition de moisissures[2].

La maison traditionnelle japonaise, en bois et papier, est très ouverte sur la nature, avec des hivers où l'on ressent le froid dans la maison, l'odeur de la terre mouillée quand il pleut et l'air qui circule partout en été et donne une certaine sensation de fraîcheur[3].

En ce qui concerne la transmission du patrimoine architectural au Japon, l'une des caractéristiques les plus remarquées concerne la reconstruction à l'identique du sanctuaire shinto d'Ise, tous les 23 ans depuis le VII^e siècle[4]. Contrairement à l'idée reçue en Occident, la reconstruction à l'identique, shikinen-zōtai, ne s'appliquait traditionnellement qu'aux grands sanctuaires shinto. Après 1868 avec l'ère Meiji, de fortes contraintes budgétaires ont été imposées aux sanctuaires shinto. Il leur était dorénavant interdit de pratiquer la reconstruction intégrale à coté du précédent, le zōtai. Ils firent, dès lors, comme les temples bouddhistes l'avaient fait auparavant, le démantèlement total ou partiel et la reconstruction après changement ou réparation des pièces défectueuses, procédé qui était autrefois appelé le zuihashūri [5].

Depuis l'ère Meiji le grand sanctuaire d'Ise est le seul à bénéficier du shikinen-zōtai, la reconstruction intégrale avec des matériaux neufs et à l'identique à côté du précédent. Cette reconstruction fait partie d'un rituel, le shikinen-sengū, ou « transfert du palais divin », au cours duquel les divinités, considérées comme des êtres vivants se voient offrir des repas chaque jour, leurs vêtements étaient régulièrement changés, leur chambre entretenue et, le moment venu, leurs demeures renouvelées. Le renouvellement (intégral ou partiel) de leurs demeures est reconduit cycliquement tous les 23 ans depuis le VII^e siècle[6]. En dehors du sanctuaire d'Ise, environ 150 édifices shinto sont donc reconstruits avec réparations tous les 23 ans, alors que les édifices bouddhiques - dont le pavillon cultuel et la pagode du Hōryū-ji qui datent du VII^e siècle - ne sont démantelés pour être restaurés que tous les 100 voire 300 ans.

Au début de l'ère Meiji, la pratique traditionnelle qui intégrait la reproduction de l'existant fut modifiée par certaines idées empruntées à l'Occident, comme l'idée de retrouver l'état d'origine d'un bâtiment, suivant l'exemple de Viollet-le-Duc. Les excès en furent corrigés en 1901 et répondent, dès lors, aux exigences actuelles des normes occidentales. Le démantèlement de ces édifices et leur reconstruction ou leur réparation a beaucoup fait pour la transmission des savoirs artisanaux[7].

La reconstruction des formes architecturales à l'identique à travers les siècles correspond à la permamence des rituels religieux et la légitimation du pouvoir de la famille impériale. À l'inverse, l'impermanence, le côté transitoire se retrouvent dans toute l'architecture japonaise ancienne. Yagasaki Zentarõ évoque ainsi une architecture fondée sur une trame de poteaux, soit menacée de pourrissement soit reposant sur des pierres, et donc déplaçable. Les assemblages de bois particulièrement sophistiqués le permettent. Elle est donc originellement précaire, provisoire et déplaçable. Ceci est particulièrement évident lorsque l'on voit comme les pavillons de thé ont été déplacés au cours des derniers siècles[8]. Cette impermanence est tout aussi évidente lorsque l'on regarde le plan en escalier - comme un vol d'oies sauvages - de la célèbre villa impériale de Katsura. Chaque partie est rejetée à l'arrière de la précédente et offre ainsi des vues variées sur le jardin paysagé. Mais le concepteur, le prince Toshihito (1579-1629) n'édifia qu'une petite résidence. Il ne pouvait imaginer les agrandissements successifs[9], l'élargissement progressif des toits afin de raccorder les nouveaux bâtiments aux anciens et le beau motif en vol d'oies sauvages. Il ne pouvait pas plus imaginer que cet ensemble serait conservé tel quel et que les générations futures en feraient une œuvre représentative de toute l'architecture japonaise, évolutive.

Cette partie n'évoque que les bâtiments de prestige, lesquels relèvent du style shinden-zukuri.

Hōryū-ji.

Les premières constructions Bouddhistes encore existantes au Japon, ainsi que les bâtiments en bois les plus anciens en Extrême-Orient se trouvent à Hōryū-ji (法隆寺, « temple de la Loi florissante ») dont la construction débuta en 607), au sud-ouest de Nara. Construit au début du VII^e siècle, ce temple privé du prince Shotoku (聖徳太子, Shōtoku taishi, 574-622), se compose de 41 bâtiments indépendants. Le plus important de tous étant le temple principal du culte, ou kondō (金堂, salle d'or), et le gojū-no-tō (五重の塔, pagode à cinq étages), érigé au centre d'un espace ouvert entouré par un cloître couvert. Le kondō, construit selon l'ordonnancement des temples du culte chinois, est une structure à deux étages faite d'un enchevêtrement poutres de piliers, recouverte par un irimoya (入母屋), un toit à pignon incliné élaboré à l'aide de tuiles en céramique.

Daibutsu-den (« salle du Daibutsu ») au Tōdai-ji à Nara (reconstruction du XVII^e siècle).

La construction des temples du VIII^e siècle a été focalisée autour du Tōdai-ji (大寺) réalisé entre 745 et 752) à Nara. Construit comme le centre d'un réseau de temples provinciaux, le Tōdai-ji est le complexe religieux le plus ambitieux érigé au début de l'émergence du bouddhisme au Japon. Le Bouddha d'une hauteur de 14,98 m (achevé en 752) qui repose dans le temple principal, ou Daibutsu (大仏, « Grand Bouddha »), est un Bouddha Rushana (盧舎那仏), une figure représentant l'essence de la bouddhéité. De la même façon, Tōdai-ji représentait le centre du bouddhisme impérial, participant de manière importante à la diffusion du culte dans l'ensemble du Japon. Aujourd'hui, seuls quelques fragments de la statue originelle subsistent encore, le temple actuel et le Bouddha central étant des reconstructions de l'ère Edo.

Détail d'architecture de type azekura-zukuri.

Le style azekura-zukuri (校倉造) au Shōsō-in (760) se caractérise par ses poutres de section triangulaire assemblées horizontalement et s'entrecroisant aux angles.

Kondo du Toshodai-ji, Nara. Vue des entraits et des kaerumata fermés[10] de la travée de la façade[11]

Le Toshodai-ji (v. 770), à Nara, un temple privé, ne pouvait pas avoir la taille des temples d'État. Pour compenser cette limite, une baie supplémentaire qui longe toute la façade permet de créer un vaste promenoir abrité (hisashi). Des entraits retroussés en arc-en-ciel s'étendent entre les piliers intérieurs et extérieurs de cet espace. Ceux-ci ont été ultérieurement redoublés par une poutre transversale[12].

Le Tō-ji (東寺, « temple de l'Est ») et sa pagode, près de Kyoto longtemps sous la direction de Kūkai (823).

En réaction à la prospérité et au pouvoir grandissant du bouddhisme organisé à Nara, le prêtre Kūkai (空海, 774-835), plus connu sous son titre posthume : Kōbō Daishi (弘法大師) voyagea jusqu'en Chine pour étudier le Shingon (真言), une forme de bouddhisme vajrayāna qu'il introduisit au Japon en 806. Au centre du culte Shingon se trouvent divers mandalas, diagrammes de l'univers spirituel qui influença le style de temple. L'architecture bouddhique japonaise adopta aussi le stūpa dans sa forme chinoise de pagode.

Les temples érigés pour cette nouvelle secte ont été construits dans les montagnes, loin de la cour et des profanes de la capitale. La topographie irrégulière de ces sites obligea les architectes japonais à repenser les problèmes de construction des temples et donc à choisir plus d'éléments de décor autochtones. Des toits en écorce de cyprès remplacèrent ceux en tuiles de céramique, des planches de bois furent utilisées à la place des sols en terre et un lieu de culte séparé fut ajouté en face du sanctuaire principal pour les laïcs.

Pendant l'époque Fujiwara, le bouddhisme Jōdo (淨土, bouddhisme de la « Terre pure »), qui offrait un salut facile grâce à la croyance en Amida (阿弥陀, le « Bouddha du paradis de l'Ouest »), devint populaire. En opposition, la noblesse de Kyoto développa une société dévouée à la recherche de l'élégance esthétique. Leur monde était si beau et rassurant qu'ils ne pouvaient pas concevoir que le Paradis en fût bien différent. La salle d'Amida, mêlant le religieux et le profane, abrite une image ou plus de Bouddhas à l'intérieur d'une structure ressemblant aux manoirs de la noblesse.

Le hōōdō du Byōdō-in à Uji près de Kyoto (1053).

Le hōōdō (« salle du phénix », achevée en 1052) du Byōdō-in (平等院), un temple dans l'Uji (宇治市,, uji-shi) au sud-est de Kyōto, est le type même des salles Amida de l'époque Fujiwara. Il se constitue d'une structure principale rectangulaire flanquée de deux ailes de couloirs en forme de « L » et d'un corridor de queue, situé à la lisière d'un large étang artificiel. À l'intérieur, une unique représentation dorée d'Amida (aux environs de 1053) est placée sur une haute plateforme. Cette sculpture a été réalisée par Jōchō (定朝, mort en 1057) qui utilisa de nouveaux canons de proportions ainsi qu'une nouvelle technique yosegi (寄木) qui consiste à tailler une statue dans plusieurs morceaux de bois et de les assembler par l'intérieur. Sur les murs sont gravés les reliefs en bois coloré de 52 effigies des Bosatsu (Bodhisattva) qui accompagnent Amida dans sa descente du Paradis de l'Ouest pour accueillir l'âme des fidèles à leur mort et les ramener dans des pétales de lotus. Cette descente, appelée raigō (来迎), peinte sur les portes en bois du hōōdō, est un exemple précurseur du yamato-e (大和絵, un style de peinture japonais) car elle contient des représentations des paysages autour de Kyōto. Le hōōdō est actuellement un musée.

Pendant l'époque Kamakura, l'architecture japonaise connait des avancées technologiques qui divergent du style chinois, avec l'apparition des styles Daibutsuyō et Zenshūyō, qui répondent aux besoins de protections contre les tremblements de terre et les fortes pluies. Le développement principal de cette période a été la mise en place de la cérémonie du thé (茶の湯, chanoyu) engendrant la construction de maisons où se tient cette manifestation : les maisons de thé (茶室, chashitsu). Cette cérémonie consistant à passer du temps avec des personnes appréciant les arts, en se nettoyant l'esprit avec un bol de thé servi de façon gracieuse. Le modèle rustique des petites maisons rurales fut adopté pour la création de ces bâtiments, mettant en avant des matériaux naturels comme des bûches recouvertes de leur écorce et la paille tissée.

Le château de Himeji (姫路城, Himeji-jō, 1346-1618).

Deux nouvelles formes d'architecture furent développées en réponse au climat militaire de cette époque :

• le château, une structure défensive construite pour loger un seigneur féodal (大名, daimyo) et ses soldats en période de trouble ;
• le shoin, un hall de réception privé, conçu pour refléter les rapports entre seigneurs et vassaux dans la société féodale émergente.

Le château de Himeji (姫路城, Himeji-jō, 1346-1618), aussi connu sous le nom de « Château du héron blanc » (白鷺城, Hakuro-jō), avec ses toits courbés élégants et son complexe de trois tours bâties autour du donjon principal (天主, tenshu), est une des structures les plus belles de l'ère Azuchi Momoyama.

L'ōhiroma (大広間, grande salle de réception de la partie extérieure de l'enceinte) du château de Nijō (二条城, Nijō-jō, construit durant le XVII^e siècle) à Kyōtō est une construction classique de shoin-zukuri, avec son tokonoma (床の間, une sorte d'alcôve), donnant, par l'intermédiaire d'une fenêtre, sur un parc soigneusement aménagé, différencie clairement les secteurs pour les seigneurs de Tokugawa (徳川将軍, 1603-1867) et ceux pour leurs vassaux^[pas clair].

Jardin de la villa impériale de Katsura (1615).

Le palais isolé de Katsura (桂離宮, Katsura rikyū) à Kyoto, contient trois bâtiments de type shoin, les trois bâtiments étant de style shoin-zukuri avec des toits irimoya-zukuri sukiya-zukuri. Le complexe est entouré dans sa totalité par un magnifique jardin ponctué de cinq pavillons de plaisance, et parcouru de chemins piétonniers.

La ville d'Edo (江戸) fut, à plusieurs reprises, sujette à des incendies violents brutaux et ce qui entraîna l'élaboration d'une architecture simplifiée afin de pouvoir reconstruire facilement la ville après ces sinistres. Le bois de charpente des bâtiments était recueilli et stocké dans des villes voisines lorsque l'hiver approchait, étant donné que le temps sec aidait à la propagation du feu. Une fois qu'un feu éclatait et était maîtrisé, le bois était renvoyé à Edo et les quartiers de la ville étaient rapidement reconstruits. En raison de la politique des shoguns du sankin-kōtai (参勤交代, littéralement « échanges assidus déroutants ») les daimyos firent construire de grandes maisons ainsi que des parcs pour leur propre plaisir et celui de leurs invités. Kōraku-en (後楽園庭園, kōrakuen teien) est un parc de cette époque qui existe toujours et est ouvert au public.

Après 1867, lorsque l'empereur Meiji (Meiji tennō, alias Mutsuhito, 1852-1912) monte sur le trône, les constructeurs japonais sont confrontés aux architectes occidentaux qui œuvrent pour les nouveaux étrangers en résidence. Le gouvernement favorise l'introduction des matériaux étrangers. Des enseignants sont bientôt invités à la nouvelle école d'art technique (Kobu Bijutsu Gakko[13], dont Josiah Conder (1852-1920)[14]. Dès 1876 son élève, le maître charpentier Tadeishi Seiju, fut l'un des tout premiers à produire de nouvelles formes architecturales où les références à la tradition n'apparaissent plus que sur des détails décoratifs[15]. Itō Chūta suit alors Conder dans une démarche historiciste et effectue de nombreux voyages d'étude (1902-05) en Chine, Inde, Turquie et Grèce. Le Taiwan-jingū (1901) qu'il réalise avec Takeda Goichi conserve cet historicisme tardif qui fusionne alors avec l'Art nouveau dans les années 1910. Au tout début du XX^e siècle, l'architecture occidentale est très largement copiée sous la forme du style Beaux-Arts[16]. Il en reste quelques témoins comme la gare de Tokyo (Tōkyō-eki, 1914) et le bâtiment de la Diète nationale (Kokkai, 1920-1936) dans ce style giyōfū (擬洋風, littéralement « imitation du style occidental »).

L'arrivée des technologies modernes donna une nouvelle impulsion à la construction dans l'archipel avec une extension considérable des banlieues. Ce phénomène fut particulièrement envahissant à Tokyo dès les années 1920-30, lié au développement du transport des passagers par le train[17]. Les compagnies ferroviaires étaient aussi celles qui construisaient, ce qui a entrainé rapidement un étalement urbain spectaculaire et précoce.

Le modernisme en architecture touche cette génération d'architectes dont Yasui Takeo (1884-1955), qui pratique d'abord l'Art nouveau[18], puis qui dessine l'Osaka Gas Building construit en 1930[19] dans un style typiquement moderniste. Entre-temps la Sécession viennoise avait reçu un écho enthousiaste dont témoigne Sutemi Horiguchi (1895-1984). Ces architectes étaient soutenus dans leur ferveur par l'exemple de Frank Lloyd Wright et sa réalisation de l'Hôtel impérial en 1923[20]. Horiguchi, sécessionniste-expressionniste fusionne ainsi le style traditionnel sukiya-zukuri et l'architecture moderniste dès 1925[21].

L'ensemble sportif de Yoyogi des Jeux olympiques de Tōkyō de Kenzō Tange (1961-1964).

La nécessité de reconstruire le Japon après la Seconde Guerre mondiale donna une forte impulsion à l'architecture japonaise, plaçant ainsi les constructions contemporaines japonaises parmi les plus impressionnantes en termes de technologie et de conception formelle. L'architecte japonais contemporain le plus connu à l'étranger est probablement Kenzō Tange. On lui doit l'ensemble sportif de Yoyogi (国立代々木競技場, en 1964) des Jeux olympiques de Tōkyō, soulignant un contraste entre l'enchevêtrement des murs et piliers du bâtiment avec les toits raides et réminiscents du tomoe, un antique symbole héraldique et religieux en forme de « yin et yang » à trois branches engendrant des rapports de formes et de mouvements dynamiques.

Avec l'arrivée des techniques de construction occidentales et de nouveaux matériaux de nouvelles structures en béton et en acier furent réalisées en contraste fort avec les modèles architecturaux traditionnels. Le Japon joua un rôle moteur dans la conception des gratte-ciel modernes, du fait de sa connaissance parfaite du principe du porte-à-faux qui permet de soutenir de lourdes charges comme les toits lourds des temples. Frank Lloyd Wright fut fortement influencé par les arrangements spatiaux de l'architecture japonaise et sa façon d'interpénétrer les espaces intérieur et extérieur en créant des ouvertures dans les murs à l'aide de portes coulissantes. À la fin du XX^e siècle, cependant, seule l'architecture domestique et religieuse japonaise est régie par ce style commun. Les villes se raidirent avec l'arrivée des gratte-ciel modernes : la vue de l'horizon de Tokyo reflète parfaitement l'assimilation des techniques et formes occidentales modernes dans l'architecture nippone en restant fidèle à la tradition architecturale du pays.

La mairie de Tokyo et ses tours jumelles de Kenzō Tange (1991).

Le réaménagement de l'espace urbain rendu nécessaire à la suite de la dévastation laissée à la fin de la Seconde Guerre mondiale produisit des architectes majeurs tels que Kunio Maekawa et Kenzō Tange. Kunio Maekawa, en tant que disciple de l'architecte franco-suisse mondialement connu, Le Corbusier, engendra des constructions fonctionnelles et modernes dans un style totalement international. Kenzō Tange, qui travailla d'abord pour Kunio Maekawa, soutint lui aussi le concept de modernité fonctionnelle. Tous deux étaient enclins aux idées d'infusion de l'esthétique japonaise à l'intérieur de la rigidité contemporaine des bâtiments, retournant vers les concepts spatiaux et proportions modulaires traditionnelles issus des tatamis (畳, nattes de paille). Ils employèrent différents matériaux et textures afin d'égayer l'omniprésence morne du béton armé et de l'acier, intégrant notamment des jardins et des sculptures à leurs constructions.

Tange employa le principe du porte-à-faux dans un système de piliers et de poutres hérités des anciens palais impériaux ; le pilier — un élément traditionnel des constructions de bois japonaises — devint un élément fondamental dans ses conceptions. Fumihiko Maki avança de nouvelles idées d'urbanisation avec ses idées basées sur le principe du cocooning autour d'un espace intérieur (oku), un concept spatial japonais adapté aux besoins urbains. Il préconisa également l'usage d'espaces ouverts (ma), se référant ainsi à l'esthétique japonaise héritée des idées bouddhistes. Cette esthétique typiquement japonaise se retrouve dans l'ensemble des conceptions de Maki, comme la mise en avant d'ouvertures sur d'intimes jardins japonais (日本庭園, nihon teien) proches du niveau du sol, éludant ainsi les horizons dissonants. Le concept architectural dominant des années 1970, le « métabolisme » de la convertibilité, qui permet de modifier l'utilisation des espaces en les adaptant aux besoins du moment, est fortement présent dans l'ensemble des constructions modernes du pays.

Le Kyōto Concert Hall (Kyoto) d'Arata Isozaki. 1995

Arata Isozaki fut un architecte important des années 1970 et 1980, à l'origine étudiant et collaborateur de Tange, il s'inspira également du travail de Le Corbusier en focalisant son attention sur les motifs géométriques et les formes cubiques. Il synthétisa les concepts issus de la technologie des constructions occidentales, en ajoutant, un agencement fonctionnel et des idées esthétiques singulièrement japonaises, dans le but de créer un style japonais moderne. La prédilection d'Isozaki pour le style cubique et la pergola dans ses constructions de grande échelle, pour les voûtes semi-circulaires dans ses bâtiments domestiques, et pour les voûtes disposées en berceau dans ses constructions ovoïdes engendrèrent un nombre remarquable de variations de styles et de formes saisissantes. Les architectes de la nouvelle vague des années 1980 ont été influencés par ces conceptions, prolongeant le modèle équilibré d'Arata Isozaki, souvent par mimétisme, parfois, en allant à l'encontre de celles-ci.

Plusieurs groupes expérimentaux d'avant-garde furent entourés par la nouvelle vague à la fin des années 1970 et durant les années 1980. Ils réexaminèrent et modifièrent les constructions de formes géométriques du modernisme en introduisant des concepts métaphysiques, produisant quelques effets à l'imaginaire surprenant. Par contraste avec les innovations de ces avant-gardistes et leur modernisme à la structure rigide, le minimalisme poétique et expérimental de Tadao Andō incarna le postmodernisme : une approche plus équilibrée et humaniste de l'architecture.

Le Westin Awaji Island Hotel sur l'île d'Awaji de Tadao Andō (1991).

Les bâtiments de Tadao Ando étaient pourvus de sources lumineuses variées, issues entre autres de l'utilisation importante de briques de verre et d'espaces ouverts sur le milieu extérieur. Il adapta les cours intérieures des maisons traditionnelles d'Osaka à la nouvelle architecture urbaine, en utilisant des escaliers et des ponts ajourés afin de diminuer l'atmosphère exiguë des logements citadins habituels. Ses idées se répandirent dans les années 1980, quand des bâtiments furent plus généralement placés autour de cours ou de places ouvertes, le plus souvent avec des terrasses disposées en étages, de caillebotis piétonniers, ou de ponts reliant des complexes de bâtiment. En 1989, Tadao Ando devint le troisième Japonais à recevoir le prix de l'Académie française d'architecture, une indication de la renommée internationale des architectes japonais, et beaucoup d'entre eux firent construire des bâtiments importants à l'étranger pendant les années 1980. Les architectes japonais furent reconnus comme n'étant pas seulement d'habiles praticiens du modernisme, mais aussi comme des enrichisseurs du postmodernisme avec des innovations dans les perceptions de l'espace, une texturisation des environnements extérieurs subtile, une utilisation peu commune des matériaux industriels, et une conscience développée des problèmes écologiques et topographiques.

• 
  Médiathèque de Sendai. Préfecture de Miyagi, Tōhoku. Toyo Ito architecte. 2001
• 
  Onagawa Station (en) après le tsunami de 2011. Shigeru Ban. 2015
• 
  Nouveau stade olympique national, Tokyo. Kengo Kuma architectes. 2019
• 
  Shibuya Stream (dir. Google-Japon). Tokyo. Kengo Kuma, SANAA et Nikken Design. 2018[22]
• 
  Yokohama City Hall. Maki and Associates architectes, 2020[23]
• 
  Métro Shibuya, G01, Z01 F16. Le 3 janvier 2020[24]
• 
  Gare de Harajuku. Design circulation. 21 mars 2020. Quartier de Shibuya. Tokyo

Dans les années 2010, plusieurs bâtiments emblématiques d'après-guerre sont démolis : l'hôtel Okura de Tokyo en 2015, le musée d'art moderne de Kamakura (en) en 2016, et le Sony Building en 2017. Le Nakagin Capsule Tower est également menacé[25].

L'architecture contemporaine au Japon pourrait être concernée par l'évolution de l'urbanisme au Japon, dans les années 2020, avec l'émergence du concept de ville compacte (compact city) en raison de l'étalement urbain (années 1960s et 1980s) et de la baisse de la natalité et du vieillissement de la population[26].

Les savoir-faire, les techniques et les connaissances traditionnels liés à la conservation et à la transmission de l’architecture en bois au Japon sont inscrits sur la liste représentative du patrimoine culturel immatériel de l'humanité en décembre 2020 par l'UNESCO[27].

Pour une liste plus importante, se référer à la catégorie Architectes japonais.

• Kunio Maekawa (前川 國男, Maekawa Kunio, 1905-1986)
• Kenzō Tange (丹下 健三, Tange Kenzō, 1913-2005)
• Fumihiko Maki (槇 文彦, Maki Fumihiko, 1928-)
• Kishō Kurokawa (黒川 紀章, Kurokawa Kisho, 1934-)
• Yoshio Taniguchi (谷口 吉生, Taniguchi Yoshio, 1937-)
• Tadao Andō (安藤 忠雄, Ando Tadao, 1941-)
• Toyo Ito (伊東 豊雄, Ito Toyo, 1941-)
• Yuzuru Tominaga (富永 譲, Tominaga Yuzuru, 1943-)
• Kengo Kuma (隈 研吾, Kuma Kengo, 1954-)
• Kazuyo Sejima (妹島 和世, Sejima Kazuyo, 1956-), agence SANAA
• Shigeru Ban (坂 茂, Ban Shigeru, 1957-)

• Minka (Japon)
• Chashitsu (pavillon de thé)
• Architecture bouddhiste japonaise
• Architecture shinto
• Art contemporain japonais
• Art japonais
• Habitat japonais
• Étalement urbain : Banlieues et villes compactes au Japon
• Musée en plein air des fermes japonaises

• Cécile Asanuma-Brice, Un siècle de banlieue japonaise. Au paroxysme de la société de consommation, Editions Métispresses, 2019, 256 p., 24 cm (ISBN 978-2-94-0563-43-2) illustrations
• Jean-Sébastien Cluzel, Architecture éternelle du Japon. De l'histoire aux mythes, Dijon, Éditions Faton, 2008, 480 p., 31 cm (ISBN 978-2-87844-107-9) 700 illustrations
• Jean-Sébastien Cluzel et Nishida Masatsugu (dir.), Le Sanctuaire d'Ise. Récit de la 62^e reconstruction, Bruxelles, Éditions Mardaga, 2015, 192 p., 19 x 25 cm (ISBN 978-2-8047-0289-2)
• Jean-Sébastien Cluzel (dir.) (trad. et annotations : Nishida Masatsugu, Jean-Sébastien Cluzel et Christophe Marquet), Hokusai - Le vieux fou d’architecture, Paris, Editions Seuil, 2014, 220 p., 24 cm (ISBN 978-2-02-110582-7 et 978-2-7177-2609-1)
• Nicolas Fiévé, L'Architecture et la Ville du Japon ancien. Espace architectural de la ville de Kyôto et des résidences shôgunales aux XIV^e et XV^e siècles, Paris, Bibliothèque de l'Institut des Hautes Études Japonaises, Collège de France, Maisonneuve & Larose, 1996, 358 p., 24 cm (ISBN 2-7068-1131-5) 102 illustrations
• Nicolas Fiévé (dir.) (préf. Jacques Gernet), Atlas historique de Kyôto. Analyse spatiale des systèmes de mémoire d’une ville, de son architecture et de ses paysages urbains, Paris, Éditions de l’UNESCO / Éditions de l’Amateur, 2008, 528 p., 37 cm (ISBN 978-2-85917-486-6 et 978-92-3-204020-6) 210 illustrations
• Ôta Hirotarô (trad. et annotations de Jean-Sébastien Cluzel et Nishida Masatsugu), Particularités de l’architecture japonaise, Paris, Nouvelles éditions Scala, 2020, 176 p. (ISBN 978-2-35988-245-2)
• (en) Arata Isozaki et David B. Stewart (éditeur sc.) (trad. Sabu Kohso), Japan-ness in architecture, London ; Cambridge, Mass. : MIT Press, 2011 (1^re éd. 2006), 349 p., 23 cm (ISBN 978-0-262-51605-1)
• Raphaël Languillon-Aussel, « Le « skyline » de Tokyo, entre constructions opportunistes et ordre caché », sur Métropolitiques, 2015 (consulté le 20 novembre 2020).
• Frédéric Migayrou (dir. et commissaire) et Yûki Yoshikawa (commissaire) (Expo. Centre Pompidou-Metz 2018, présentation), Japan-ness : architecture et urbanisme au Japon depuis 1945, Centre Pompidou-Metz, 2017, 333 p., 29 cm (ISBN 978-2-35983-048-4)
• Bruno Taut (trad. de l'allemand par Daniel Wieczorek), La Maison japonaise et ses habitants [« Das Japanische Haus und sein Leben »], Paris, Éditions du Linteau, 2014 (1^re éd. 1937), 349 p., 26 cm (ISBN 978-2-910342-62-3, BNF 43857536).
• Benoît Jacquet, Teruaki Matsuzaki et Manuel Tardits, L'architecte et le charpentier : Une histoire de la construction en bois au Japon, Lausanne, Presses polytechniques et universitaires romandes, 2019, 232 p. (ISBN 978-2-88915-289-6, OCLC 1126674177)

• (en) « Dictionary of Japanese Architectural and Art Historical Terminology », sur www.aisf.or.jp (consulté le 20 novembre 2019).

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