Fresques du Collegio del Cambio

Apollon, sur la voûte.

La décoration a probablement débuté par la voûte à pavillon qui a été peinte à tempera. Six sommets triangulaires entourent la partie centrale en forme de losange. Dans chaque compartiment est peinte la personnification d'un dieu/planète issu des signes du zodiaque et représenté sur un char triomphal tiré par divers animaux. Saturne, Jupiter et Mars sont situés au-dessus de la cloison du fond, Apollon/Soleil au centre, Mercure, Diane/Lune et Vénus au-dessus de la paroi de la fenêtre.

Parmi ces figures on trouve une dense décoration fantastique : putti à cheval, chèvres, panthères, satyres, harpies, mascarons et groupes érotiques repris aussi dans les décors en bois du dessous. Si les dessins de la voûte sont attribués au maître, l'exécution fut complétée par deux collaborateurs, probablement Antonio del Massaro et Andrea Aloigi dit « l'Ingegno ».

Les œuvres de grande qualité et équilibrées témoignent d'une supervision suivie de la part du Pérugin qui ne permit aucun fléchissement de qualité.

Transfiguration.

La décoration se poursuivit avec les cinq panneaux à haut cintré qui occupent la moitié supérieure des parois, encadrés par une subtile frise monochrome, séparés de petits piliers décorés à grotesques.

Cette Transfiguration (226 × 229 cm), située sur le mont Tabor, symbolisait la vertu de la Foi.

Le schéma de la fresque reprend celui de nombreuses œuvres du Pérugin dans lequel la divinité est représentée dans une mandorle au-dessus du registre inférieur de trois apôtres Jean, Pierre et Jacques de Zébédée, apparaissant modérément surpris par la révélation de la nature divine de Jésus. Aux côtés du Christ les prophètes Moïse et Isaïe, sont représentés à genoux. Aux extrémités de la mandorle figurent les inscriptions : HIC EST FILIVS MEVS DILECTVS et DOMINE BONVM EST NOS HIC ESSET.

Les têtes des apôtres sont d'une grande finesse avec une plasticité des corps assez marquée.

Dans le visage de saint Jacques, certains critiques d'art voient la main du jeune Raphaël, par les couleurs et sa manière particulière de délimiter les parties entre lumière et ombre.

La Nativité ou Adoration de l'Enfant (264 × 225 cm) est une allégorie de la Charité. La scène est aussi issue du répertoire de précédents travaux de l'artiste, en particulier de la Nativité perdue de la Chapelle Sixtine, avec les figures principales avancées au premier plan et le thème du portique central qui dirige le regard du spectateur dans le lointain vers un calme paysage typique du Pérugin. L'Enfant est étendu par terre entre saint Joseph et la Vierge en adoration, tandis que derrière lui se trouvent quelques pâtres agenouillés dont les bâtons font converger les lignes de force vers le nouveau-né. À gauche et en arrière-plan se trouve un autre groupe de pâtres avec le troupeau et à droite le bœuf et l'âne. En haut, sous les arcades, trois anges chantent des hymnes, comme inscrit en lettres dorés · GLORIA IN EXCELSIS DEO ·.

La scène a quelques affinités avec la scène du Stendardo della Santissima Trinità peinte par Raphaël à dix-sept ans, en particulier les trois anges et le paysage. Dans les figures principales on note un épaississement des contours et un rendu des volumes plus plastique. Ces particularités ont fait penser à une intervention de Raphaël, alors élève du Pérugin. Cette fermeté plastique est absente par exemple dans l'Adoration des Mages de Città della Pieve, réalisée par le Pérugin en 1504.

L'Éternel au-dessus de prophètes et de sibylles.

La panneau de L'Éternel entre les anges au-dessus d'un groupe de prophètes et de sibylles (229 × 370 cm), allégorie de l'Espérance, présente le schéma des deux autres panneaux des Vertus théologales, avec un registre inférieur de personnages et un supérieur occupé par Dieu le père bénissant dans un nimbe lumineux, entouré de chérubins, séraphins et deux anges volant provenant aussi du répertoire de l'artiste. Le paysage avec les douces collines pointillées d'arbrisseaux se dégrade vers le centre créant l'effet d'une vallée ouverte conduisant le regard du spectateur vers le centre de la représentation. Les prophètes et les sibylles sont divisés en deux groupes symétriques et les inscriptions sur la base aident à reconnaître les personnages. Il en est de même des phylactères qu'ils tiennent à la main, avec des prophéties.

De gauche à droite on distingue^{[réf. souhaitée]} :

• Isaïe, Moïse, Roi David, Jérémie et Salomon, La sibylle Érythréenne, La sibylle Persique, La sibylle de Cumes, La sibylle Libyque, La sibylle Tiburtine et la sibylle Delphique.

Il s'agit du seul panneau dont le dessin préparatoire a été réalisé par incision alors que le transfert par spolvero a été utilisé pour les autres scènes. La mise en page de la composition, par rapport aux autres scènes est moins schématique et la texture picturale plus fluide probablement résultant du recours à divers collaborateurs ou par une distance temporelle dans la réalisation.

Depuis le XVII^e siècle, court l'hypothèse que le jeune Raphaël aurait participé à ce travail, même si à l'époque, encore très jeune, il était dans une phase de strict suivisme du maître.

Péricles, détail.

Le panneau avec Prudence et Justice au-dessus de six personnages antiques (293 × 418 cm) est aussi réalisé selon les règles de la symétrie. Les deux Vertus sont assises sur des nuages, avec leurs attributs respectifs, avec sur les côtés des putti qui tiennent des phylactères. Sur le bas, de gauche à droite avec les noms écrits en bas figurent : Quintus Fabius Maximus Verrucosus, Socrate, Numa Pompilius, Marcus Furius Camillus, Pittacos de Mytilène et Trajan.

La Force et Tempérance au-dessus de six héros antiques (291 × 400 cm) a un schéma analogue au précédent. Les six héros sont remarquables par la richesse des décorations de leurs armures avec des cimiers et couvre-chefs très élaborés. De gauche à droite on distingue : Lucius Licinius Crassus, Léonidas de Tarente, Horatius Coclès, Scipion l'Africain, Périclès et Lucius Quinctius Cincinnatus.

Les deux panneaux des Sages et des héros témoignent de l'apogée atteint dans le classicisme par l'artiste, à travers un modelé souple et une palette riche et brillante.

Autoportrait et dédicace.

Sur un pilier intermédiaire de la paroi gauche se trouve peint en trompe-l'œil, un cadre suspendu entre des rubans et colliers en corail. Il s'agit du célèbre autoportrait du peintre (40 × 30,5 cm) et une inscription témoigne de la renommée atteinte par l'artiste : PETRUS PERUSINUS EGREGIUS / PICTOR / PERDITA SI FUERAT PINGENDI / HIC RETTULIT ARTEM / SI NUSQUAM INVENTA EST / HACTENUS IPSE DEDIT, « Pietro Perugino, peintre émérite. Si l'art de la peinture était égaré, il le retrouva. S'il n'était pas encore inventé, il l'éleva jusqu'à ce point » L'allusion est sur le débat alors fort en vogue concernant la supériorité des Anciens sur les Modernes. Comme il n'existait que peu de traces de la peinture antique citée par les sources anciennes, le dilemme concernait la capacité des peintres de la Renaissance à dépasser les Anciens et aussi s'ils avaient fait mieux qu'eux.

Les détails physiques et psychologiques de l'autoportrait sont très soignés. Le visage rondelet, les joues rougeaudes, les lèvres fines, les cheveux flottants, le double menton avec fossette…