Comment réaliser un film avec succès

Répétez le script avant le tournage. Cette étape semble évidente, mais elle est vraiment très importante. Les acteurs doivent se sentir à l'aise avec leur texte et leur rôle quand ils commencent le tournage.

• Assis autour d'une table avec vos acteurs, commencez par parcourir le script avec eux scène par scène. Au fur et à mesure, ils se sentiront plus à l'aise avec vous et entre eux, ce qui facilitera le tournage.
• Les acteurs talentueux n'ont pas forcément besoin de beaucoup répéter. Il peut même être préférable de ne pas trop répéter les scènes chargées en émotion pour qu'ils soient naturels lors du tournage. Cependant, cela ne se vérifie que pour les acteurs chevronnés qui ont du talent. Donc, si vous travaillez avec des acteurs amateurs, répéter le script avant le tournage est une bonne idée.

Assurez-vous que les acteurs connaissent leur texte. Il est impossible pour un acteur de faire une excellente interprétation sans connaitre à fond son texte. Vous ne voulez pas qu'ils arrivent sur le plateau le jour du tournage, sans connaitre leur texte. C'est pourquoi les répétitions sont si importantes.

Expliquez les sous-entendus de chaque scène. Cela signifie expliquer ce qui se passe au-delà du dialogue. Cela permettra à l'acteur de comprendre les vraies intentions de son personnage dans la scène et dans le film et influencera aussi la façon dont vous allez les diriger ^[3] .

• Faire moins signifie plus, quand on joue dans un film. Vos acteurs doivent avoir une forte présence lorsqu'ils sont à l'écran, même lorsqu'ils ne font rien de particulier. Un bon acteur sait attirer l'attention du public sur le personnage qu'il joue, sans avoir à en faire beaucoup.
• Par exemple : Jean, notre personnage en colère mentionné ci-dessus sera interprété différemment s'il déteste sa petite amie parce qu'elle l'a quitté ou s'il est toujours amoureux d'elle (ou les deux).

Soyez calme, concentré et clair. Le cliché du réalisateur en colère qui crie à tout bout de champ est exactement ça : un cliché. En tant que réalisateur, vous êtes responsable (si vous n'avez pas de producteur), ce qui signifie que tout le monde recherchera votre direction claire et votre calme.

• Cela explique pourquoi le story-board et la liste des prises de vue sont si importants. Vous pouvez vous y référer pour chaque scène et ils sont aussi un bon support visuel pour ceux qui travaillent à vos côtés.
• Souvenez-vous qu'un film est le résultat du travail d'une multitude de personnes, même si le réalisateur et les acteurs sont ceux qui reçoivent la plupart de l'attention et des compliments. Donc, ne vous comportez pas comme si vous étiez la personne la plus importante du plateau lorsque vous vous adressez à vos acteurs ou à votre équipe.

Donnez des instructions précises à vos acteurs. Si vous leur avez déjà expliqué les sous-entendus du scénario et votre vision du film, il ne devrait pas y avoir beaucoup de problèmes pour qu'ils fassent ce que vous attendez d'eux dans leurs scènes. Cependant, il est important que vous leur donniez des instructions précises, même certaines comme celle-ci : « Essaye de dire cette réplique un plus rapidement ».

• Prenez beaucoup de notes. Sur votre liste détaillée des prises de vue, notez des instructions spécifiques sur les caméras et sur ce que vous voulez que vos acteurs fassent. Plus vos requêtes et commentaires seront détaillés, plus il sera facile pour vos acteurs et votre équipe de tournage de vous suivre.
• Donnez en privé tout commentaire détaillé ou critique négative s'adressant aux acteurs. Vous pouvez le faire si d'autres personnes se trouvent sur les lieux, du moment que seul l'acteur à qui vous vous adressez vous entend. Ainsi, personne ne se sentira embarrassé ou gêné.
• Faites des commentaires positifs. Les acteurs aiment recevoir des compliments sur leur travail et savoir qu'ils le font bien. Assurez-vous qu'ils le sachent en les félicitant simplement. Par exemple : « J'ai beaucoup aimé ce que tu as fait dans la dernière scène. Essayons ça lors du tournage ».
• Si vous avez un très bon acteur sous la main, il vaut mieux parfois le laisser faire ce qu'il a envie, sans trop le diriger. Même si ce n'est pas forcément ce à quoi vous pensiez, les scènes et même le film pourraient prendre une direction nouvelle, plus fraiche.

Connaissez les différents plans et angles de caméra. En tant que réalisateur, vous aurez besoin de connaitre les différents types de plans, d'angles et de mouvements de caméra pour tourner chaque scène pour retirer le meilleur effet possible sur chaque scène. L'atmosphère d'une scène dépendra de l'angle de la caméra et du type de plan utilisés ^[4] .

• Cadrage du plan : le plan d'ensemble (utilisé pour situer la prise de vue, peut-être pris d'aussi loin que 400 mètres), le plan de demi-ensemble (prise de vue « grandeur nature » correspond à la distance entre le public et l'écran de cinéma. Cette prise de vue attire l'attention sur les personnages et les images en arrière-plan), le plan moyen (généralement utilisé pour des scènes de dialogue ou pour un gros plan sur une certaine action, il contient 2 à 3 personnages de la tête à la taille), le gros plan (est concentré sur un visage ou un objet avec un arrière-plan flou et généralement utilisé pour entrer dans l'esprit du personnage), un très gros plan est généralement utilisé pour attirer l'attention sur un détail particulier de la bouche ou des yeux, pour donner un effet dramatique.
• L'angle de la caméra désigne la relation entre la caméra et ce qui est en train d'être filmé. Il donne une information émotionnelle au public sur l'objet ou le personnage dans la prise de vue. Le plan en plongée, vue d'oiseau (la caméra se situe au-dessus du sujet filmé et donne au public l'impression de regarder la scène du ciel tout en rendant les choses normales méconnaissables), le plan en plongée « traveling » (la caméra se situe au-dessus de l'action et donne une vue d'ensemble de ce qui se passe), le plan caméra subjective (la caméra se situe à un angle plus neutre, comme si un autre humain observait la scène), le plan en contreplongée (donne au public une sensation d'impuissance ou de confusion et, alors qu'il regarde l'objet d'en bas, fait naitre de la crainte ou une désorientation), le plan oblique (utilisé dans beaucoup de films d'horreur, ce plan donne une sensation de déséquilibre, de transition et d'instabilité).
• Les mouvements de caméra donnent une impression de ralentissement de l'action plutôt que les coupures rapides de l'image. Ils peuvent aussi rendre la scène plus « réaliste ». Les panoramiques (balayage horizontal de la scène), les panoramiques verticaux (balayage vertical de la scène), le traveling (la caméra suit l'action montée sur un petit charriot-grue en mouvement), la prise de vue à la main (la caméra Steadycam permet de filmer à la main sans que les prises soient trop saccadées, tout en donnant une impression d'urgence et de réalisme), les prises sur grue (la même chose qu'un traveling, mais pris d'une grue, de beaucoup plus haut), les zooms (changent le grossissement de l'image, ce qui permet de changer la position du public lentement ou rapidement), le plan aérien (similaire aux prises sur grue, mais pris d'un hélicoptère et généralement utilisé en début de film pour le situer).

Arrivez dès le début de l'installation de la prise de vue, c'est-à-dire lorsque votre équipe prépare le plateau pour le tournage. Si vous avez un aide-réalisateur, vous n'êtes pas vraiment obligé d'arriver si tôt, mais c'est quand même une bonne idée de le faire. Vous pourrez en profiter pour réfléchir à vos prises de vue de la journée, à la meilleure façon de les exécuter et voir si des changements s'avèrent nécessaires.

Répétez la prise de vue. Avant de commencer à tourner et pendant que votre équipe de techniciens installe le matériel, répétez la prise de vue avec vos acteurs et voyez avec eux ce qu'ils feront devant la caméra (leur emplacement, les différents plans que vous voulez utiliser et comment ils devront dire leur texte).

• Effectuez des tests avec votre viseur pour vérifier à quoi ressembleront vos prises de vue. À ce stade, vous voudrez peut-être faire quelques modifications et réaménager certaines scènes ou certains plans pour obtenir le meilleur résultat possible.

Préparez votre prise de vue. Pour chaque prise de vue, vous aurez besoin de connaitre la longueur focale, l'emplacement de la caméra, les marques des acteurs (leurs emplacements), quel objectif sera utilisé et le mouvement de la caméra. Vous préparerez votre prise de vue avec votre cinématographe, en prenant tout cela en compte ^[5] .

• Selon le genre de directeur que vous êtes et le cinématographe que vous avez (vous êtes peut-être celui qui prend les décisions pour les prises de vue), vous devrez plus ou moins diriger. Discutez avec lui de l'éclairage et du travail de la caméra jusqu'à ce que vous soyez prêt à faire la prise de vue.

Filmez la scène. Le temps de tournage n'est pas très long et normalement on filme des scènes plutôt courtes. Filmez la scène en suivant les mouvements de caméra et les emplacements que vous avez déjà définis avec votre cinématographe. Vous pourrez visionner la scène une fois coupée pour voir le résultat.

Examinez la prise de vue. Examiner immédiatement la prise de vue sur l'écran vidéo vous permettra de voir si vous devez apporter quelques modifications à la scène. Vous vous rendrez compte si le résultat obtenu est proche de votre idée de départ. Puis, répétez la scène jusqu'à ce que vous n'y trouviez rien à redire.

• Cette étape est très différente de celle consistant à examiner les prises de vue plus tard, dans la salle de montage. Là-bas, vous aurez plus de temps, verrez les choses plus clairement et aurez une meilleure perspective sur toutes les petites choses que vous auriez pu faire pour améliorer la scène.

Montez le film. Lors de cette étape, vous voulez associer les différentes séquences du film d'une manière fluide et cohérente. En règle générale, on coupe juste après l'action pour éviter que le public ne s'ennuie quand il ne se passe rien. Cela signifie que vous devez passer d'un plan à l'autre au moment de l'action (comme lorsque Jean ouvre la porte du salon). Vous associerez la première prise de vue des mouvements de Jean dans un plan d'ensemble, à la deuxième prise de vue dans un plan plus serré.

• Couper sur un plan croisé permet généralement de révéler des détails. Par exemple, on fera un plan rapproché de deux hommes en pleine discussion, un homme se déplace pour révéler un gros plan sur le visage du méchant.
• Couper sur un cadre vide, dans lequel le personnage entre. Par exemple, on utilise souvent cette technique lorsqu'une personne sort d'une voiture, mais vous ne voyez que son pied. Le pied entre dans le cadre vide.
• Souvenez-vous lorsque vous effectuez des coupures qu'il faut à votre public environ deux photogrammes (à peu près équivalents à 1/12e de seconde) pour que ses yeux se déplacent d'un côté de l'écran à l'autre.

Composez la musique. Assurez-vous que votre bande sonore se marie bien avec votre film. Il n'y a rien de pire qu'un film dont la musique ne colle ni avec le ton ni avec la forme de celui-ci. Lorsque vous discutez de la composition de la musique avec votre compositeur, parlez du style, de la vitesse, des signaux d'entrée de la musique et des instruments. Un compositeur doit comprendre votre vision du film pour créer une musique adaptée.

• Écoutez les plages de démo que vous donne votre compositeur. De cette façon, vous pourrez suivre les progrès de son travail et lui dire où effectuer des modifications.
• Si vous organisez vous-même la musique, assurez-vous bien de ne voler aucune musique protégée sous copyright pour votre film, car vous pourriez vous attirer beaucoup d'ennuis. Très souvent, vous pouvez trouver des compositeurs pas trop chers dans votre propre ville. Le niveau ne sera peut-être pas professionnel (votre film ne l'est probablement pas non plus), cependant, vous pouvez quand même obtenir un bon résultat.
• Il existe une différence entre la bande sonore du film et son thème musical. La bande sonore est de la musique préenregistrée, adaptée à une scène ou une séquence du film par rapport à son contenu, son rythme ou son atmosphère. Le thème musical revient sur certaines images ou motifs dans le film (comme le thème du requin dans « les dents de la mer »).

Ajoutez le son. Cela signifie s'assurer que la bande sonore du film est adaptée au film fini. Il s'agit aussi d'ajouter les sons nécessaires ou d'améliorer ceux qui sont déjà existants. Vous pouvez également effacer les sons indésirables (comme le bruit d'un moteur d'avion ^[6] ).

• Les sons diégétiques sont les sons produits par quelque chose que le public peut voir à l'écran. Bien que le son soit normalement capturé lors du tournage, la plupart du temps, il doit ensuite être renforcé. On ajoute également d'autres bruits ambiants (bruits extérieurs) ou des bruits d'intérieur (d'une pièce) pour cacher le bruit d'un moteur d'avion passant au-dessus des acteurs et pour qu'il y ait toujours un peu de bruit en arrière-plan.
• Les sons non diégétiques sont les sons provenant de l'extérieur de l'image, comme la voix off ou le thème musical.