Comment tourner un film à une personne

Vous avez une caméra, une idée et tout ce dont vous avez besoin pour faire un film, mais vous n’avez pas d’acteurs ou d’équipe pour vous aider. Que vous vous ennuyiez ou vous vouliez démarrer votre carrière cinématographique, il existe de nombreuses bonnes idées que vous pouvez mettre sur pellicule (ou carte mémoire) sans avoir besoin d’un seul autre être humain.

Partie 1

Partie 1 sur 3:
Se préparer à filmer

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Trouvez une bonne idée. Pour faire un film tout seul, vous devez écarter tous les autres acteurs et toutes les scènes qui doivent être tournées avec d’autres personnes. Malheureusement, cela élimine la plupart des effets spéciaux et des dialogues. Mais ces restrictions peuvent aussi être libératrices et mener à des bidouillages uniques et créatifs. Voici quelques idées que vous pourriez envisager de filmer.
- Un film artistique : certains pionniers comme Sadie Benning et Bruce Nauman ont apporté une contribution immense au monde de l’art, seulement avec leur caméra et leur envie de nouvelles expériences. Vous pourriez filmer de nombreuses choses, un journal intime ou des vidéos abstraites qui explorent le monde des couleurs et de sons. Trouvez de l’inspiration en consultant Video Data Bank.
- Des documentaires courts : tout ce dont vous avez besoin est une caméra et un microphone et vous pouvez vous retrouver dans la rue à interroger les passants et à filmer des scènes.
- Les têtes parlantes : ce genre de film est populaire sur YouTube et dans des séries comme « The Office », il consiste en fait à parler à la caméra pour prononcer un monologue ou montrer un sketch. Parfois, la vidéo est centrée sur un film ou un jeu que vous commentez.
- L’animation en volume : même si cela prend beaucoup de temps, l’animation en volume, ou stop-motion, est l'une des rares techniques qui permet à un réalisateur de créer tout seul un film à l’allure professionnelle.
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Écrivez un scénario de base. Vous n’êtes pas obligé de raconter toute l’histoire si vous travaillez encore sur une idée vague, mais vous pourriez vous guider au début du tournage en couchant quelques idées sur le papier. Presque toutes les vidéos racontent une histoire, dans une certaine forme et presque toutes les histoires sont faites de trois parties.
- Le début : mettez en place l’univers du film. Cela pourrait être vous, le personnage, le lieu que vous filmez ou simplement une couleur ou une humeur que vous voulez explorer.
- Le conflit : quelque chose vient déranger, changer ou transformer la mise en place initiale. Pour les films d’art ou les films courts, cela pourrait être un changement de rythme ou l’introduction d’un nouveau thème. L’histoire est racontée à travers ce changement.
- La résolution : comment se termine l’histoire ? Quels sont votre message ou votre pensée ? Certaines histoires se terminent tout simplement, mais cela ne veut pas dire que rien n’a changé à la fin.
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Préparez votre équipement. Vous n’avez besoin que d’une caméra et d’un logiciel pour éditer les prises sur l’ordinateur, mais il existe aussi d’autres équipements qui pourraient vous aider à créer un film tout seul.
- Un trépied : si vous voulez filmer une scène tout seul, le trépied est la meilleure façon de garder immobile une caméra qui peut bouger, tourner, se baisser ou se lever à différents angles.
- Un éclairage : un bon éclairage est l’une des différences fondamentales entre un film qui a l’air d’être tourné par un amateur ou par un professionnel. Même trois ou quatre lampes de bureau à pince achetées dans un magasin de bricolage peuvent vous permettre d’obtenir une lumière plus forte et plus régulière pour votre film.
CONSEIL D'EXPERT(E)

Kendall Payne
Auteure et réalisatrice
Kendall Payne est scénariste, réalisatrice et comédienne, installée à Brooklyn, New York. Kendall est spécialisée dans la réalisation, l’écriture et la production de courts-métrages humoristiques. Ses films ont été projetés au Indie Short Fest, Brooklyn Comedy Collective, Channel 101 NY et 8 Ball TV. Elle a également écrit et réalisé du contenu pour les chaines sociales Netflix is a Joke et des scénarios publicitaires, notamment pour Between Two Ferns: The Movie, Astronomy Club, Wine Country, Bash Brothers et Stand Up Specials. Kendall dirige une émission humoristique IRL en ligne sur Caveat, appelée Extremely Online, et une émission humoristique pour @ssholes appelée Sugarp!ss at Easy Lover. Elle a étudié au Upright Citizens Brigade Theatre et à la New York University (NYU) Tisch dans le cadre du TV Writing Certificate Program.

Kendall Payne
Auteure et réalisatrice

Un conseil d’experte :« Quand vous commencez à faire des films, vous n’aurez pas beaucoup d’expérience et vos équipements seront limités. Cependant, sachez qu’il est normal de ne pas tout avoir. Personne ne s’attend à ce que vous réalisiez du premier coup un film digne de Sundance. Il suffit de tourner avec ce que vous avez et proposez votre film au public en espérant que quelqu’un le verra et reconnaitra votre potentiel. »
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Jouez avec la caméra pour en connaitre les caractéristiques. Si vous faites un film tout seul, vous voulez connaitre le plus possible de techniques. Votre caméra est votre meilleur ami et vous pourrez tourner un film vraiment unique et original en sachant comment la manipuler. La meilleure façon d’apprendre est de jouer, mais il existe quand même des choses que vous devez approfondir.
- La balance des blancs : cela permet de changer la « température » du film ou les couleurs. Une balance des blancs bien réglée vous permet d’obtenir des couleurs naturelles. Même si vous pouvez jouer avec ce paramètre pour obtenir des effets visuels différents, c’est généralement plus facile au moment de l’édition.
- Les lentilles : différentes lentilles pourraient changer en profondeur la composition de l’image. Jouez avec des angles larges, des lentilles grand-angle (ou fisheye) et macros pour changer les effets.
- Le point : il faut parfois toute une vie pour apprendre à obtenir un bon point et vous devriez commencer dès maintenant. Le point permet de savoir quelle partie de l’image est claire et quelle partie est floue. De nombreuses caméras possèdent un point automatique, mais vous devez savoir comment le régler manuellement pour faire de bons films ^{[1]
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Partie 2

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Tourner le film

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Concentrez-vous visuellement sur l’histoire ou l’idée. La vidéo est un milieu visuel et même si les voix et le texte permettent d’apporter des informations, ils ne sont pas obligatoires. Si vous tournez tout seul, vous ne pourrez pas utiliser de dialogue, d’acteurs ou beaucoup de sons pour raconter votre histoire. Cependant, vous avez tout le temps que vous voulez pour capturer des images extraordinaires, filmer de belles vidéos et travailler à la création d’angles fascinants.
- Gardez l’esprit du photographe à chaque prise. Demandez-vous si l’image seule est intéressante.
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Préparez une maquette du film. Une maquette ressemble beaucoup à une bande dessinée du film. C’est une façon très utile de concevoir votre film en vous permettant de « voir » les scènes avant de les filmer. Elle fait ensuite office de guide pour le film. Vous pouvez trouver et imprimer des modèles sur Internet ou vous pouvez aussi dessiner simplement des prises en avance avec du papier et un crayon.
- Il existe aussi une place pour l’improvisation, bien sûr. Cependant, la maquette est une bonne façon de savoir où vous devez placer la caméra.
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Utilisez un microphone externe. Les micros sur les caméras sont connus pour être de mauvaise qualité et ils deviennent inutiles si l’appareil se trouve trop loin du lieu de l’action. Un micro externe fera une différence énorme dans la qualité de votre production, car la plupart des gens remarquent plus facilement un son de mauvaise qualité qu’une vidéo de mauvaise qualité ^{[2]
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Tournez de nombreuses prises. Filmez à petites doses, pas pendant de longues périodes, pour obtenir beaucoup de prises. Tournez de petites scènes intéressantes au lieu d’allumer la caméra et de la laisser en marche pendant que vous bougez. Cela vous permet d’être sûr de concevoir chaque scène séparément et de vous rendre l’édition plus facile ^{[3]
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Si vous filmez vous-même, restez à un endroit. Concentrez votre travail pour obtenir une image de qualité à une distance particulière de l’objectif. Si vous bougez beaucoup, la caméra aura du mal à vous suivre, le point va changer et vous obtiendrez des images floues.
- Installez un morceau de ruban adhésif pour vous indiquer l’emplacement où vous devez vous tenir à chaque prise ^{[4]
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Filmez de trois à cinq fois plus de prises que nécessaire. Les films, quelle que soit leur longueur, se construisent au moment de l’édition. Plus vous avez de matériel et de prises pour pouvoir travailler, plus il sera facile d’obtenir un bon film. Filmez différents angles de la même prise, passez par des lignes différentes ou filmez votre environnement pour les prises atmosphériques. Chaque prise supplémentaire compte ^{[5]
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- Jouez avec les prises. Filmez à des angles bizarres, tournez des prises bizarres ou abstraites des objets de la vie quotidienne et explorez votre quartier avec votre caméra. Vous pourriez ne pas utiliser les prises que vous tournez, mais il vaut toujours la peine de le faire, même si vous ne tournez qu’une seule prise de vue intéressante parmi cent.
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Partie 3

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Procéder au montage du film

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Éditez le film pour raconter l’histoire. L’édition est l’une des formes d’art les plus sous-estimées du cinéma, mais elle est essentielle. Les meilleurs éditeurs sont invisibles, ils font des coupures et des changements à la perfection. Grâce à leur travail, le public ne se pose jamais de questions. Le film a l’air d’avoir été tourné en continu. Lorsque vous commencez à éditer les prises, vous devez vous assurer de bien connaitre votre histoire, le but et la thèse du film. Tout ce que vous allez faire pendant l’édition doit être au service de cette idée ^{[6]
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Apprenez à utiliser les coupures. La version obtenue par l’édition est appelée une « coupure », c’est-à-dire la transition entre une prise et la suivante. C’est de cette façon que le film raconte l’histoire, les images sont coupées les unes des autres et chacune d’entre elles montre au public un changement ou une progression légère, par exemple « elle entre dans le bâtiment » ou « il est en train de parler ». Cela peut être simple et symbolique, par exemple la coupure célèbre de Stanley Kubrick dans « 2001, l’odyssée de l’espace » où l’os jeté en l’air se change en station spatiale. Il est essentiel de savoir utiliser les coupures pour raconter votre histoire ^{[7]
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- Le hard cut : une coupure vers un autre angle ou une autre prise avec des transitions. C’est le type de coupure le plus commun dans les films.
- Le smash cut : un changement soudain vers une scène ou une image complètement différente. Cela attire l’attention sur la coupure pour signaler souvent une surprise ou un changement important dans l’histoire.
- Le jump cut : une coupure soudaine faite dans la même scène, généralement à un angle légèrement différent. Même si c’est plutôt rare, cela permet de créer un sentiment de confusion ou de temps qui passe.
- Le J-cut : une coupure dans le son de la prise suivante, mais pas de la vidéo. C’est une excellente façon de lier deux scènes ou d’apporter de la narration.
- Le L-cut : une coupure de la vidéo pour la scène suivante tout en gardant le son de la scène précédente. C’est une excellente façon de présenter un personnage qui parle de quelque chose, par exemple une promesse, tout en la tenant (ou non).
- L’action cut : une coupure au milieu d’un mouvement, par exemple en montrant une porte qui s’ouvre sur une pièce avant de couper la scène pour montrer la porte qui s’ouvre de l’autre côté dans la scène suivante.
- La superimposition : lorsque deux couches de différentes vidéos se superposent, ce qui implique qu’elles sont connectées ou entrelacées. On l’utilise souvent dans les transitions ^{[8]
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- Les prises correspondantes : lorsque la forme d’une scène imite celle de la prochaine. Par exemple, vous pourriez filmer vos yeux avant de passer à la scène suivante où vous vous filmez avec des lunettes ou où vous filmez les yeux de quelqu’un d’autre. Cela permet de lier les prises tout en faisant apparaitre des différences fondamentales.
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Réfléchissez au rythme des scènes. De nombreux éditeurs pensent en termes de cadres individuels, c’est-à-dire l’image immobile que vous voyez si vous mettez la vidéo sur pause et la compilez comme les musiciens qui utilisent des notes ^{[9]
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Source de recherche}. Comment se déroule votre film ? En quoi la vitesse des coupures contribue-t-elle au rythme de la vidéo ? Voici quelques idées générales.
- Les coupures rapides donnent plus d’énergie à la scène et un mouvement de propulsion.
- Les coupures lentes et erratiques permettent de faire monter la tension, le suspens et l’attention. Elles ralentissent le film, ce qui permet au spectateur de contempler une prise ou une idée.
- Il faut entre trois et cinq vues pour que le cerveau humain reconnaisse une image. Vous pourriez perdre votre public si vous essayiez d’aller trop vite. Cependant, cela pourrait aussi être votre objectif ^{[10]
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Prenez le temps de bien colorer vos prises. La correction des couleurs est un processus pendant lequel vous ajustez la nuance, la saturation, la clarté et le contraste de chaque vidéo pour qu’elles semblent être toutes pareilles. Il est difficile d’arriver au même résultat pendant que vous tournez les scènes, c’est pourquoi il est presque toujours nécessaire de faire un peu de correction de couleurs au moment de l’édition. Tous les logiciels d’éditions de vidéo possèdent des filtres ou des effets pour la correction des couleurs. De nombreux programmes ont aussi des paramètres de correction automatique, mais celle-ci peut être plutôt aléatoire.
- Vous pouvez aussi jouer avec la correction de couleur pour obtenir des effets surprenants ou un éclairage spécial, par exemple des lumières jaune pâle ou des teintes rouge intense et dangereuses.
- Si vous voulez présenter votre film à des festivals ou des évènements, vous devriez envisager d’engager un professionnel pour corriger les couleurs ^{[11]
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Demandez l’opinion de vos amis. La seule façon de devenir un meilleur réalisateur de films est de partager le vôtre avec le reste du monde. Demandez aux autres de vous expliquer avec leurs propres mots ce qu’ils pensent qu’il s’est passé et de commenter ce qu’ils ont aimé ou moins aimé. Réfléchissez à des façons de vous améliorer et essayez d’incorporer leurs suggestions à votre prochain film. Qui sait, ils pourraient même vous aider à le réaliser.

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Conseils

Limitez-vous à une seule idée à la fois pour vos films. Au lieu de forcer quatre ou cinq idées dans le même film, concentrez-vous sur la meilleure façon d’exploiter à fond l’idée que vous voulez filmer.
Faites des expériences en pointant votre caméra sur n’importe quoi. Vous avez la flexibilité et la liberté de faire ce que vous voulez, n’importe quand.
Si vous ajoutez de la musique pendant l’édition, assurez-vous que celle-ci ne soit pas sujette à des droits d’auteur ou demandez l’autorisation à son créateur.

Avertissements

Assurez-vous de vérifier que vous avez bien l’autorisation de filmer sur des propriétés privées ou dans des espaces publics. Vous ne pouvez pas filmer des inconnus, même en public, sans avoir reçu une autorisation d’un organisme compétent.