Rox et Rouky

• Golden Screens 1982

• Saturn Awards 1982 : Meilleur film fantastique
• Young Artist Awards 1982 : Meilleur film
• Grammy Awards 1982 : Meilleur album pour enfants[11].

• États-Unis : 25 mars 1988
• Suède : 26 novembre 1988, 28 juillet 1995
• Allemagne de l'ouest : 1^er décembre 1988
• France : 7 décembre 1988
• Italie : 9 décembre 1988
• Australie : 15 juin 1989, 4 avril 1996, 13 juin 2001
• Danemark : 30 juin 1995
• Royaume-Uni : 21 juillet 1995
• Suède : 28 juillet 1995
• Portugal : 1^er septembre 1995

Au début des années 1970, les Neuf Sages de Disney deviennent de plus en plus vieux et sont ne plus actifs sur les productions tout comme leurs collègues aussi méritants qui ont permis de construire le catalogue du studio Disney[13]. Le studio lance alors un programme de formation d'une nouvelle génération qui sera par la suite fusionné avec le California Institute of the Arts[13]. Quelques animateurs et artistes d'animation sont appelés pour former une nouvelle génération d'animateurs, Melvin Shaw est ainsi recruté en 1974[14]. Le film Les Aventures de Bernard et Bianca est produit avec les trois derniers Neuf Sages encore actifs, Frank Thomas, Ollie Johnston et Milt Kahl[13].

Don Bluth en 2006.

Parmi la nouvelle génération d'animateurs, le plus remarqué est Don Bluth qui se voit accorder la réalisation du moyen métrage Le Petit Âne de Bethléem (1978) avec seulement de jeunes animateurs[13]. Durant la production des Aventures de Bernard et Bianca, un groupe d'animateurs se voit confier un projet intitulé Rox et Rouky[15]. Don Bluth responsable du film prend cela pour un camouflet dans son ascension hiérarchique et convainc ses proches collaborateurs dont John Pomeroy de démissionner à partir 13 septembre 1979[15]^,[16]. Il parvient à regrouper 17 personnes avec lui[17]. Ce départ, que Leonard Maltin qualifie d'exode, est une source importante d'embarras pour le studio à l'époque ayant était massivement couvert par la presse[16]. Maltin précise que ce sont sept animateurs et quatre assistants animateurs[16].

Don Bluth crée son propre studio d'animation concurrent Don Bluth Productions (en) et lance la production de Brisby et le Secret de NIMH (1982)[17]^,[16]. Parmi les autres animateurs partis on peut aussi citer Gary Goldman et John Pomeroy, mécontents de la qualité des productions du moment de Disney[10]. Le groupe démissionnaire reproche au studio de ne plus faire de l'animation comme à son âge d'or[10]^,[16]. La plupart des films de Bluth est produite avec l'intention de démontrer comment les longs métrages d'animation devraient être, mais selon Mark Arnold ils ont des lacunes [17]. Ces départs d'animateurs retardent le début de la production du film d'un an qui commence donc en 1977[10]. La sortie du film initialement prévue pour Noël 1980 est donc repoussée pour l'été 1981[16].

Le film est une adaptation de la nouvelle de Daniel P. Mannix Le Renard et le Chien courant (1967)[10] et publié en France en 1978[18]. L'histoire retrace la vie du chien Copper et du renard Tod. Ceux-ci deviennent amis durant l'enfance avant de devenir ennemis à l'âge adulte sous le joug des hommes qui les montent l'un contre l'autre[16]. Wolfgang Reitherman est crédité de l'idée de faire ce film car il avait lu cette histoire à son fils qui avait un chien roux[6]. Cette méthode de proposition de film est similaire à celle en vigueur quand Walt Disney était encore vivant[6].

La production du film commence au printemps 1977[10]^,[17], avant la sortie du film Les Aventures de Bernard et Bianca. Wolfgang Reitherman devait au départ être le réalisateur du film au côté d'Art Stevens. Mais les séquences clés du film provoque les disputes entre les réalisateurs et le producteur Ron Miller soutenant Stevens. Miller demande à Reitherman de laisser la place à la nouvelle équipe, mais Reitherman refuse en raison d'un manque de confiance avec les jeunes animateurs. Ted Berman et le jeune Richard Rich réalisent finalement le film au côté d'Art Stevens. C'est donc un projet américain avec une équipe en grande partie composée d'une nouveau groupe de réalisateurs et d'artistes[19].

À l'origine, l'histoire était bien plus sombre dans le roman que dans le film, ne comportant même aucune fin heureuse (« happy end »). À la fin du roman, Tod tue Chef puis, poursuivi par Copper, meurt d'épuisement avant d'être achevé par le maître de Copper. Ne souhaitant pas provoquer la sensibilité des enfants, Disney décide d'adoucir la fin de l'histoire notamment en gardant tous ses protagonistes en vie : Chef s'en sort avec une patte cassée, renversé par un train, et Rouky empêche son maître Amos Slade d'abattre Rox. Slade renonce à son acte et rentre chez lui avec Rouky.

La production du film marque une étape charnière dans l'histoire des studios Disney. C'est le dernier film auquel ont participé trois des Neuf Sages de Disney, les animateurs légendaires de Disney : Frank Thomas, Ollie Johnston et Wolfgang Reitherman[10], ce dernier abandonnant la réalisation pour la production. Au sein du studio, tout le monde sait que les anciens animateurs doivent partir à la retraite durant la production[20]. Les trois animateurs ont entamé la production et ont ensuite transmis le projet à de nouveaux animateurs[20]. Thomas et Johnston prennent leur retraite en 1978[21] et Reitherman en 1980[22], mais ils restent comme consultant sur le projet. Bob nThomas précise que Thomas et Johnston ont développé les personnages et animé une séquence avant de partir à la retraite[23].

L'animateur Glen Keane fait ses premiers pas à la supervision de l'animation tandis que Ron Clements et John Musker partagent leurs points de vues[20]. Parmi les animateurs du film se trouve le jeune Tim Burton, âgé de 22 ans à l'époque.

La production du film a nécessité quatre ans, environ 360 000 dessins, 110 000 cellulos, 1 100 décors, et 180 personnes dont 24 animateurs[10]^,[24].

Frank Thomas explique en 1981 lors d'un entretien pour Rox et Rouky qu'il y a une forme de délicatesse dans le squelette d'un renard et qu'une fois que vous voyez cela les dessins deviennent comme un renard[25].

L'animation réutilise des éléments de Bambi (1942) pour la séquence de l'orage (deux familles de canards et de cailles cherchent un abri) et de Merlin l'Enchanteur (1963) quand Moustique et Merlin sont transformés en écureuils.^{[réf. nécessaire]}

En 1981, alors que la production de Rox et Rouky s'achève, le projet Chantecler reprend vie avec pour objectif d'être finalisé et diffusé après la sortie de Rox et Rouky mais il est rapidement stoppé au profit de Taram et le Chaudron magique (1985)[26].

Le développement des personnages est assuré par Frank Thomas et Ollie Johnston mais c'est la nouvelle équipe qui assure l'animation[6].

• Rox : Renard, le personnage principal du film. Jeune et naïf, il se lie d'amitié avec le voisin Rouky. Mais leur amitié pourra-t-elle résister aux réalités de la vie, du temps qui passe et de l'âge adulte ?
• Rouky : Le voisin de Rox ; ils sont devenus amis. Jusqu'à ce qu'ils deviennent adultes. Rouky devient un chien de chasse.
• Amos Slade : Le voisin de la veuve Tartine ; il est le « méchant » de l'histoire. Chasseur, il entraîne Rouky à être un chien de chasse.
• Veuve Tartine : La vieille dame qui prend Rox comme animal de compagnie.
• Big Mama : La chouette bienveillante qui a contribué à faire adopter Rox. Plus tard, elle l'aide à survivre dans la forêt.
• Chef : Le chien âgé d'Amos Slade.
• Vixy : La belle renarde que Rox rencontre dans la forêt. Elle deviendra finalement la compagne de ce dernier.
• Dinky et Piqueur : Deux amis, un moineau et un pivert respectivement. Ils sont observés essentiellement à essayer de manger Twist, une chenille solitaire. À la fin du film, celle-ci se transforme en papillon et s'envole.

L'acteur Kurt Russell, qui avait été sous contrat du studio Disney pendant dix ans, du milieu des années 1960 au milieu des années 1970, a prêté sa voix au personnage de Rouky[27]. La chanteuse Pearl Bailey a joué le personnage lors de sa prestation pour aider les animateurs à dessiner son personnage de Big Mama[20].

Pour David Koenig, l'ours souffre du "Syndrome Pluto", des adjuvants animaliers qui n'ont pas la parole alors que d'autres personnages animaliers anthropomorphes ou non en sont dotés[28].

Jeanine Forney, qui incarne la voix de Vixy dans la version française du film, avait déjà été la voix de la princesse Aurore/Rose dans la seconde version française de La Belle au bois dormant (1959). « Tod », le prénom original de Rox signifie « renard » en argot britannique. Quant au prénom de Vixy[NB 1], il est basé sur le mot anglais « vixen » qui a pour sens premier « renarde ».

Buddy Baker compose la bande originale de Rox et Rouky[8] et signe ici sa dernière musique de film d'animation.

Les chansons du film ont été écrites et composées par Stan Fidel, Jim Stafford, Richard Rich, Richard O. Johnston et Jeffrey Patch[8]^,[29]. Richard O. Johnston est le fils de l'animateur Ollie Johnston[10].

En France le titre principal, Rox et Rouky, a été chanté en 1983 par Dorothée en duo avec Joanna Wyatt[30]. La même année sont édités chez Disneyland Records/Le Petit Ménestrel deux livres-disques : un 33 tours 30 cm raconté par Jean Rochefort comprenant des extraits de dialogues du film, et un 45 tours raconté par Jacques Martin[31]. Ce dernier reprend la musique du film et une partie de la chanson Deux bons copains. En revanche, les rôles des différents personnages sont interprétés par des acteurs différents de ceux ayant assuré le doublage de la version française : Régine Blaess, Catherine Lafond, Marcelle Lajeunesse et Raymond Loyer.

Don Bluth explique qu'une des raisons de son départ des studios Disney, dans la catégorie des divergences créatives, est que le film Rox et Rouky est « devenu une histoire mignonne et non plus une histoire significative »[16].

Vincent Canby du New York Times décrit le film comme « un joli exemple de dessin animé Disney à l'ancienne, une sorte de caricature, joyeux à l'excès, plein de chansons entraînantes, plus collant qu'un chewing-gum et contenant des animaux anthropomorphes plus humains que certains hommes apparaissant parfois »[37]. Mais selon Canby le film n'innove pas, même si il est rempli à ras-bord de dialogues joyeux et folkloriques[37]. La scène culminante du film peut effrayer les plus jeunes et qu'à cause de cette scène il est préférable que les parents accompagnent leurs enfants au lieu de les faire chaperonner, le film ne durant que 83 minutes, un temps très court pour l'époque[37]. L'histoire est celle d'une amitié improbable[37].

Sheila Benson du Los Angeles Times indique que la présence d'une nouvelle génération d'animateurs est un signal important et la qualité d'animation est bien présente[38].

Sheila Benson critique l'histoire qui joue trop la sécurité, les scénaristes protégeant le public des choses importantes comme la rage, la douleur ou la perte[39]. Ces mensonges pour le bien du public limitent le développement[39]. La romance entre Rox et Vixey rappelle celle de Bambi et Féline[39].

Richard Corliss du Time écrit que le film débute sans musique par une toile d'araignée, comme un filigrane du destin prenant tout animal pénétrant cette forêt[24]. Un renardeau devient orphelin devant les yeux du spectateur suite à un coup de feu touchant sa mère apeurée tandis que des oiseux s'envolent eux aussi apeurés[24]. Corliss ironise alors en souhaitant à ses jeunes lecteurs un joyeux été car c'est le début du dernier dessin animé Disney[24]. Il s'interroge sur cette production car quand les autres cinéastes s'essayent au plus de provoquer des gloussements et des tremblements, Disney confronte son public aux terreurs Dostoïevskienne[24]. Pour Corliss, c'est un retour au sources pour le studio avec l'opposition primale du bien et du mal, des forces forces de la Nature[24]. Le film ne possède pas le savoir-faire et la concision qui ont amené une douzaine de personnages ou plus à la vie idiosyncratique dans les films précédents[24]. Les cinq chansons sont à peine fredonnables et le comique est au mieux superficiel[24]. Le film ne comporte pas de magie mais un morale profonde donnée par Daniel Mannix sur une amitié contrariée avec son aspect doucement sombre[24]. Pour Corliss, les deux protagonistes sont nés dans un rôle qui les enferme et même les liens établis pendant leur enfance ne peuvent changer ce destin[24]. Il

Richard Corliss fait un parallèle entre la nouvelle génération d'animateur et les protagonistes du film[24] : « Alors que Rox et Rouky apprennent davantage sur eux-mêmes et sur l'autre pendant leur fuite, les jeunes artistes de Disney qui font ici leurs débuts au cinéma réalisent le pouvoir émotionnel et cinétique de l'animation dans les séquences de poursuite. Ils sont aussi finement façonnés et rythmés que la scène de combat dans le désert de Les Aventuriers de l'arche perdue et presque aussi violents »[24]. Corliss ne dévoile pas la fin du film mais prévient le public qu'il peut « savourer les sérieux plaisirs de Rox et Rouky »[24]. Il termine par une note positive à propos de « la montée en puissance d'une nouvelle génération talentueuse d'animateurs Disney, attendez vous à de plus grands plaisirs pour la suite »[24].

La plupart des auteurs sont d'accord sur le fait que le film est à la charnière de deux générations d'animateurs. Pour Franklin Thomas et Ollie Johnston, Rox et Rouky marque « la fin de la transition entre l'ancienne et la nouvelle génération d'animateurs[42]. » Selon Randy Cartwright, le film marque le début du changement[20]. Pour John Grant, beaucoup d'excitations a accompagné la production du film quand au changement mais au final peu de choses sont différentes[6]. Le film est moins ambitieux et de qualité inférieure aux grands classiques[6]. Le film est bon mais il n'atteint pas le niveau d'innovation attendu par les critiques[6]. Grant ajoute qu'au contraire, Taram et le Chaudron magique (1985) se voulait innovant mais ne l'a pas été[6]. Avec le côté psychologique, la nouvelle génération pousse les productions vers les années 1980[6].

Pour Mark Arnold, ce film est le premier à profiter pleinement de la nouvelle génération d'animateurs sortis du California Institute of the Arts (CalArts), fondé par Disney en 1961 et installé sur son propre campus en 1977[43]. Selon Arnold, le film marque les « premiers efforts des futurs grands animateurs » de Disney qui ont participé à des films comme La Petite Sirène et La Belle et la Bête[10], la Renaissance Disney. L'édition DVD contient un documentaire sur cette passation de relai intitulé D’une génération à l’autre[20].

Leonard Maltin écrit que le film confirme l'arrivée de la nouvelle génération d'animateurs et que Disney maîtrise toujours le marché de niche des longs métrages d'animation attaqué par d'autres studios[16]. Cette partie technique est le bon coté du film selon Maltin mais de l'autre coté la mauvaise nouvelle est que la conception du film se repose trop sur la formule du mignon, de la comédie et de la personnification, principes tellement utilisés que le film en est discret[16]. Ce recours à cette formule est pour certains observateurs un pas en arrière pour le studio ou une stagnation même si le public a apprécié le film et est venu en masse le voir[16]. Les espoirs mis dans la nouvelle génération ne sont atteints car ces observateurs n'ont pas trouvés de nouvelles idées ou une nouvelle vie, le film étant juste une synthèse des vieilles idées qui ont fonctionnés à l'époque de Walt Disney[16]. Maltin se demande si le crédo « Qu'aurait fait Walt ? » n'est pas encore présent au sein de la direction de Disney[16].

Mark Arnold explique que la scène du combat entre Rouky et l'ours est considérée comme l'apothéose du film mais il la voit comme le résultat d'un effort inégal[17]. Pour Maltin c'est séquence supervisée par Glen Keane est un tour de force[16]. Arnold a trouvé certains plans qui n'ont pas le bon focus mais qui ont été en partie corrigé dans les éditions vidéo[17]. Le film est présenté lors de sa sortie comme le 20^e classique d'animation de Disney mais en 1985 lors de la sortie de Taram et le Chaudron magique il est renuméroté 24^e[17].

Pour Maltin, le film est un effort respectable mais le bilan du studio Disney après plus d'une décennie sans Walt à la barre n'est pas bon[16]. Le seul point positif des années 1980 selon Maltin arrive avec la « géniale » nomination de Tom Wilhite malgré ses 27 ans, ancien responsable de la publicité, comme vice-président en charge du développement des films d'animations et de la télévision[16].